cinemais

Body of War (Phil Donahue, EUA,2007)

2008-04-10T06:50:00.000-07:00

Estou trabalhando em um documentário sobre portadores de deficiência física em São Paulo e devido a isso me interessei por um filme que poderia muito bem passar despercebido -- para quem não se interessa pelas campanhas antibelicistas dos ativistas contrários à Guerra do Iraque.

Body of War é um libelo de propaganda que tem como objetivo emocionar a audiência e criar um sentimento humanitário antiguerra e anti-Bush. Mas alheio a esse discurso, o que é realmente interessante no documentário é o trabalho de Tomas Young, que depois de ficar paralisado no Iraque começou uma guerra pessoal nas campanhas para a saída dos Estados Unidos do conflito no Oriente Médio.

Em março de 2004, Young, então com 24 anos, se alistou no Exército e foi mandado para o Iraque. Obviamente sem talento guerreiro, na sua primeira operação acabou ferido e realocado para uma cama do Walter Reed Army Medical Center, para se recuperar de um tiro que levou na altura do peito e o deixou paralisado do diafragma para baixo.

Esse "corpo de guerra" é revelado de forma extremamente íntima e próxima a nós pelo filme. Uma entrega interessante e difícil de ser conseguida quando estranhos tentam captar a intimidade de um personagem ocupando o seu espaço cotidiano com toda uma parafernália de câmera, microfone, cabos e, claro, pessoas.

O filme é produzido pela documentarista Ellen Spiro e pelo apresentador de TV (e agora ativista político) Phil Donahue. E o grande valor dele não é o discurso embutido nas imagens, mas a confiança que os cineastas conseguiram produzir no seu personagem e que se traduz em imagens de beleza rara de um jovem lutando para se vestir sozinho e subir em sua cadeira de rodas; e, num momento de frustração e raiva, gritando a plenos pulmões com a mãe que tenta ajudá-lo.

Charlie Wilson's War (Mike Nichols, EUA, 2007)

2008-03-03T06:54:00.001-08:00

Quando um cineasta escolhe, entre todos os outros temas possíveis, fazer um filme sobre política internacional e sobre uma guerra clandestina envolvendo Estados Unidos e União Soviética durante a Guerra Fria, ele pode ser tudo menos omisso e leviano.

É exatamente nesse ponto onde Mike Nichols peca em Charlie Wilson's War (traduzido nas telas brasileiras para Jogos do Poder).

Cineasta tarimbado e premiado, autor do clássico The Graduate, em 1967 (A Primeira Noite de um Homem), Nichols vive uma carreira inconstante. Esse filme, apesar de ter sido indicado ao Oscar ao lado de There Will Be Blood e No Country for Old Men, passa na média com ajuda do professor.

Tom Hanks é um congressista americano que nos é apresentado como um playboy refestelado em uma jacuzzi cercado por três prostitutas e com um copo de uísque na mão. Numa evolução radical de mais para ser verossímil, esse homem irá virar um estadista responsável pela construção da estratégia militar que derrotou a União Soviética no Afeganistão com dinheiro da CIA.

Onde está Ronald Regan no filme? Na verdade, para a audiência desavisada, parece que um congressista americano tem o poder de manipular US$ 500 milhões por vontade própria sem costuras de bastidor ou negociações mais complicadas do que um telefonema para um assessor.

O filme parece ganhar peso quando Israel e a Arábia Saudita entram no roteiro. (Como se sabe o investimento da CIA e a colaboração direta da Arábia Saudita no conflito afegão gerou nada mais nada menos do que Osama bin Laden.) Mas a esperança do filme ganhar um discurso mais adulto morre na cena seguinte, quando os chefes de Estado dão lugar para mais algumas piadinhas sem graça sobre a libertinagem dos congressistas americanos.

O que salva o filme e evita que ele seja uma bomba é o excelente Philip Seymour Hoffman. Ele encarna um agente da CIA frustrado e cançado da burocracia da agência que vê no personagem de Tom Hanks a possibilidade de derrotar os comunistas (sua maior motivação na vida). O personagem é o mais bem construído, com diálogos brilhantes e um sarcasmo que beira o shakespeariano.

Se todo o filme tivesse a energia e o cuidado de construção desse personagem, sem dúvida, seria uma grande obra. Mas não teve.

The Unforeseen (Laura Dunn, EUA, 2007)

2008-02-29T12:16:00.000-08:00

Em outubro de 2002, um empreiteiro do Texas chamado Gary Bradley mandou um e-mail para o jornal The Austin Chronicle escrevendo que tudo que ele realmente gostaria de fazer era um filme. É duvidoso que o documentário The Unforeseen, no qual ele interpreta um dos vilões do filme, fosse o que ele tivesse em mente.

O sr. Bradley enviou o e-mail para o jornal da capital do Texas logo depois de ter declarado falência. A história dele está contada entre outras em The Unforeseen, um filme com uma grande temática, ou melhor diversas grandes temáticas. Entre elas: os direitos humanos, a degradação da natureza, das águas subterrâneas, do ar e toda essa falação tipicamente ecologista. Ele é sem dúvida um filme com uma temática política, principalmente por que um grupo ambiental chamado Earth First! aparece incansavelmente na tema.

Basicamente o filme usa uma história regional premimente para tratar de um problema com implicações globais. Em outras palavras, é uma história sobre verdades inconvenientes e da luta justa de heróis contra pessoas realmente más. Um tanto maniqueísta e com verdades prontas, mesmo para quem, como eu, acredita no respeito ao meio ambiente.

A diretora do documentário é Laura Dunn, que já fez o também ecológico Green. Em The Unforeseen, ela deixa o empreiteiro texano falar abertamente sobre a vida dele. No início dos anos 1980, ele deu início a um enorme empreedimento na região sudoeste de Austin, chamado Rancho do Círculo C. As crises de empréstimos do final daquela década jogou pó sobre os planos dele. Para salvá-lo da quebra, uma multinacional da mineração chamada Freeport-McMoRan entrou no projeto e injetou dinheiro grosso, aumentando o Círculo C e criando um outro empreendimento que avançava sobre o cinturão verde que existia ao redor de Austin.

Habitat de um tipo de salamandra ameaçada de extinção, o cinturão verde tem um rio chamado Barton Creek que corre para um aqüífero que fornece água potável para Austin. O projeto da Freeport -- e os milhões de dólares que as obras de construção dela financiadas om dinheiro público -- teria aterrado o rio com dejetos e toneladas de lixo matando milhares de animais.

Os moradores de Austin, sabendo que tudo que vai para a água acaba voltando para eles, tiveram uma outra idéia. O que acontece no filme é uma refrega que põe de um lado ambientalistas, cidadãos preocupadas e a prefeitura de Austin e do outro empreiteiros, interesses comerciais, lobistas, deputados e o então governador do Texas, George W. Bush.

É um cenário tenebroso: grandes negócios contra gente pequena, natureza contra cultura, civilização e seus discontentes. Trabalhando com o câmera Lee Daniel, Dunn consegue harmonizar uma quantidade enorme de personagens e histórias com uma igualmente profusa quantidade de quadros, gráficos, noticiários, fotografias antigas e seqüências de incrível beleza plástica.

O grande pecado do filme é que todo esse material parece estar comprimido demais nos seus 93 minutos. Tudo soa como se ocupasse menos espaço do que deveria. Ou desse menos tempo do que se precisa para entender e digerir as histórias e implicações. Outro problema é Robert Redford, que é um dos produtores-executivos do documentário. Ele aparece muito no filme e tira, com sua presença, o impacto da mensagem.

O outro produtor-executivo é Terrence Malick, natural de Austin.

Preste atenção: nas lindas tomadas aéreas assinadas por Lee Daniel.

Não mudo uma linha

2008-02-29T12:07:00.000-08:00

Depois da premiação de Tropa de Elite, em Berlim, fui perguntado se não mudaria minha opinião sobre o filme de José Padilha. Sigo concordando com o diretor que o filme não tem nada de fascista, na sua ideologia. Mas é, sem dúvida, fascistóide. Tem um formato fascista que inibe qualquer opinião contrária de se fazer presente entre os tiros, gritos e lições de moral brucutu que permeiam a obra.

Indicações para o Oscar 2008

2008-01-22T12:21:00.000-08:00

O Brasil ficou de fora mais uma vez da disputa pelo Oscar de Melhor Filme em Língua Estrangeira -- concorria a uma vaga com "O Ano em que meus pais saíram de férias", de Cao Hamburguer. Uma pena, pois a Academia de Cinema de Hollywood fez uma seleção de peso em todas as categorias deste ano.

"No Country for Old Men", dos Irmãos Cohen, e "There Will Be Blood", de Paul Thomas Anderson, lideraram as indicações concorrendo em oito categorias cada um, incluindo Melhor Filme e Melhor Direção.

Também concorrendo a Melhor Filme está "Michael Clayton", um thriller a la anos 70 estrelado por George Clooney. O filme recebeu mais seis indicações, incluindo Melhor Ator (Clooney), e Melhor Atriz Coadjuvante (Tilda Swinton). "Desejo e Reparação" (Atonement), que venceu o Globo de Ouro, também ficou com sete indicações.

Diferentemente do ano passado, quando grandes produções como "The Departed" e "Dreamgirls" dominaram as indicações, o Oscar deste ano está marcado por filmes com temas mais soturnos e finais pouco convencionais. Prova disso foi que nenhum alcançou as bilheterias registradas na temporada passada.

Causou estranheza o fato de "American Gangster", o blockbuster da Universal Pictures estrelado por Denzel Washington, e "Into the Wild", dirigido por Sean Penn, ambos muito elogiados pela crítica, terem recebido apenas duas indicações.

"Juno" ganhou quatro indicações, incluindo Melhor Filme, Melhor Direção, Melhor Atriz e Melhor Roteiro Original.

A indicação óbvia, e o maior favorito deste ano, é Daniel Day-Lewis, por "There Will Be Blood", como Melhor Ator.

A cerimônia de premiação está marcada para o dia 24 de fevereiro. Se a greve dos roteiristas não causar problemas em Hollywood.

Abaixo a lista completa das indicações.

Melhor Filme:
“Atonement”
“Juno”
“Michael Clayton"
“No Country for Old Men”
“There Will Be Blood”

Melhor Atriz:
Cate Blanchett, por “Elizabeth: The Golden Age"
Julie Christie, por “Away from Her”
Marion Cotillard, por “La Vie en Rose”
Laura Linney, por “The Savages”
Ellen Page, por “Juno”

Melhor Ator:
George Clooney, por “Michael Clayton”
Daniel Day-Lewis, por “There Will Be Blood”
Johnny Depp, por “Sweeney Todd The Demon Barber of Fleet Street”
Tommy Lee Jones, por “In the Valley of Elah”
Viggo Mortensen, por “Eastern Promises”

Melhor Ator Coadjuvante:
Casey Affleck, por “The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford”
Javier Bardem, por “No Country for Old Men”
Philip Seymour Hoffman, por “Charlie Wilson’s War”
Hal Holbrook, por “Into the Wild”
Tom Wilkinson, por “Michael Clayton”

Melhor Direção:
“The Diving Bell and the Butterfly”, Julian Schnabel
“Juno”, Jason Reitman
“Michael Clayton”, Tony Gilroy
“No Country for Old Men”, Joel Coen and Ethan Coen
“There Will Be Blood”, Paul Thomas Anderson

Melhor Atriz Coadjuvante:
Cate Blanchett, por “I’m Not There”
Ruby Dee, por “American Gangster”
Saoirse Ronan, por “Atonement”
Amy Ryan, por “Gone Baby Gone”
Tilda Swinton, por “Michael Clayton”

Melhor Roteiro Adaptado:
“Atonement”, Christopher Hampton
“Away from Her”, Sarah Polley
“The Diving Bell and the Butterfly”, Ronald Harwood
“No Country for Old Men”, Joel Coen & Ethan Coen
“There Will Be Blood”, Paul Thomas Anderson

Melhor Roteiro Original:
“Juno”, Diablo Cody
“Lars and the Real Girl”, Nancy Oliver
“Michael Clayton”, Tony Gilroy
“Ratatouille”, Jan Pinkava, Jim Capobianco e Brad Bird
“The Savages”, Tamara Jenkins

Melhor Filme de Animação:
“Persepolis”
“Ratatouille”
“Surf’s Up”

Melhor Filme em Língua Estrangeira:
“Beaufort”, Israel
“The Counterfeiters”, Áustria
“Katyn”, Polônia
“Mongol”, Cazaquistão
“12", Rússia

Melhor Direção de Arte:
“American Gangster”
“Atonement”
“The Golden Compass”
“Sweeney Todd The Demon Barber of Fleet Street”
“There Will Be Blood”

Melhor Fotografia:
“The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford”
“The Diving Bell and the Butterfly”
“No Country for Old Men”
“There Will Be Blood”

Melhor Figurino:
“Across the Universe”
“Atonement”
“Elizabeth: The Golden Age”
“La Vie en Rose”
“Sweeney Todd The Demon Barber of Fleet Street”

Melhor Documentário:
“No End in Sight”, Charles Ferguson e Audrey Marrs
“Operation Homecoming: Writing the Wartime Experience”, Richard E. Robbins
“Sicko”, Michael Moore e Meghan O’Hara
“Taxi to the Dark Side”, Alex Gibney e Eva Orner
“War/Dance”, Andrea Nix Fine e Sean Fine

Melhor Documentário (curta metragem):
“Freeheld”, Cynthia Wade e Vanessa Roth
“La Corona (The Crown)”, Amanda Micheli e Isabel Vega
“Salim Baba”, Tim Sternberg e Francisco Bello
“Sari’s Mother”, James Longley

Melhor Edição:
“The Bourne Ultimatum”
“The Diving Bell and the Butterfly”
“Into the Wild”
“No Country for Old Men”
“There Will Be Blood”

Melhor Maquiagem:
“La Vie en Rose”
“Norbit”
“Pirates of the Caribbean: At World’s End”

Melhor Trilha Sonora Original:
“Atonement”
“The Kite Runner”
“Michael Clayton”
“Ratatouille”
“3:10 to Yuma”

Melhor Música Original:
“Falling Slowly” de “Once”
“Happy Working Song” de “Enchanted”
“Raise It Up” de “August Rush”
“So Close” de “Enchanted”
“That’s How You Know” de “Enchanted”

Melhor Curta de Animação:
“I Met the Walrus”
“Madame Tutli-Putli”
“My Love (Moya Lyubov)”
“Peter & the Wolf"

Melhor Curta Metragem:
“At Night”
“Il Supplente (The Substitute)”
“Le Mozart des Pickpockets (The Mozart of Pickpockets)”
“Tanghi Argentini”
“The Tonto Woman”

Melhor Edição de Som:
“The Bourne Ultimatum”
“No Country for Old Men”
“Ratatouille”
“There Will Be Blood”
“Transformers”

Melhor Mixagem de Som:
“The Bourne Ultimatum”
“No Country for Old Men”
“Ratatouille”
“3:10 to Yuma”
“Transformers”

Melhor Efeitos Visuais:
“The Golden Compass”
“Pirates of the Caribbean: At World’s End”
“Transformers”

Desejo e Reparação (Joe Wright, UK/FRA, 2007)

2008-01-21T05:55:00.000-08:00

Depois de receber o Globo de Ouro de melhor filme do ano, a adaptação do romance Reparação (Atonement), de Ian McEwan, foi nomeado para disputar nada menos do que 14 prêmios Bafta (o Oscar da British Academy of Film and Television Arts).

Ambientado no entre guerras -- um período por si só poético e dramático --, no interior de uma Inglaterra convulsionada e apegada ainda aos valores do século XIX, onde vestidos deveriam ser de seda pregueada e os cigarros, fumados com delicadas tragadas sensuais, a sensualidade é o cubo que move a roda desse drama. Não poderia ser diferente tendo Keira Knightley como protagonista. São a sensualidade e o tesão que irão demover os personagens de suas posições confortáveis para a fogueira dos erros e desgraças humanos.

Adaptações literárias são sempre difíceis (como já analisei em um post anterior). Mas o roteiro de Christopher Hampton é competente. Nada mais do que isso, para ser sincero. Ele valoriza a fotografia (cuidadosamente linda) e a interpretação dos atores, sem criar grandes exercícios fílmicos diferentes. Assim, apesar de muito bem feito e tecnicamente perfeito, Desejo e Reparação serve para o público conhecer um grande livro sem precisar ler suas 450 páginas. Como cinema, é raso.

Keira Knightley faz o papel de Cecilia Tallis, um garota rica do interior inglês que descobre o amor com e por Robbie (James McAvoy), filho de um dos empregados da propriedade de sua família. Soa bobo e previsível. E em grande medida pode parecer que você já viu essa história na última novela das sete da Globo. E é por aí mesmo.

O romance é espionado pela irmã mais nova de Cecilia, Briony (Saoirse Ronan -- se pronuncia Sircha), cuja imaturidade e língua grande vai jogar o casal numa convulsão familiar sem solução fácil.

Mas, de repente, nada mais importa, pois o mundo é lançado na Segunda Guerra Mundial. Essa mudança de foco entre o drama familiar e o épico histórico -- que no livro de McEwan leva mais de duzentas páginas para ser solucinada -- é caótica no roteiro de um filme de 130 minutos.

Como todo filme de guerra, há grandes e poderosas cenas. Mas o foco do filme não é esse. A beleza técnica das tomadas perde relevo diante do vazio da própria história.

Assim, Desejo e Reparação conta um drama sobre a culpa nas escolhas da vida e como o ser humano se esforça para buscar a redenção na nossa tragicamente imperfeita existência. Um tema complexo demais para ganhar relevo e profundidade em uma curta exposição. Um tema, sim, digno de um longo romance.

O filme vale a pena, mais uma vez, pela beleza plástica e por Keira Knightley. Mas, se você tiver tempo prefira o livro.

Preste atenção no delicado jogo de sons que é composto entre a música orquestral de piano e o som das máquinas de escrever de dois personagens (um escritor de teatro e um camponês). Isso é obra de Dario Marianelli que assina música do filme.

Persepolis (Vincent Paronnaud, FRA/EUA, 2007)

2008-01-03T07:41:00.000-08:00

Rotular Persepolis de uma animação é reduzir o poder narrativo e artístico deste brilhante filme baseado no romance homônimo em quadrinhos de Marjane Satrapi. Dirigido pela própria Satrapi e por Vincent Paronnaud, o filme conta a juventude de Marjani em Teerã. Nascida em uma família de intelectuais de esquerda, que são oprimidos pelo regime ditatorial do Xá e, depois da Revolução Islâmica, pelos mulás que passam a governar o país, ela se torna adolescente e vai para o exílio em um ambiente de convulsão política e social.

Mas o enredo não se resume à crítica política, Marjani passa por desafios íntimos dentro da própria família, tendo a avó como pilar ético e humorístico da trama. Tudo isso amarrado com uma impressionante economia visual nas figuras humanas chapadas em preto e branco. Extremamente estilizado, Persepolis renova o dito de que menos é mais ao extrair da simplicidade gráfica um impacto narrativo incrível.

Se colocando contrária à intolerância em seu país e à superstição de sua religião, Marjane toma uma postura de desafio ao status quo. Mas a personagem não é uma heroína inabalável. Na verdade, o discurso político está bem reduzido dentro do visual simples e direto do filme, que trabalha mais com sentimentos do que com slogans.

No meio da violência que segue a Revolução Islâmica, Marjane é mandada pelos seus pais para a Áustria, para seguir estudando no exílio. Nesse momento o filme cresce em complexidade, quando somos forçados a ver a alienação estudantil e da esquerda austríaca em comparação com o ambiente de revolução que havíamos testemunhado em Teerã.

Solitária em um ambiente desconhecido, Marjane ingressa no movimento punk de Viena. Exemplo de contestação no Ocidente, a onda punk na Áustria é uma saída triste e insossa para as dúvidas de Marjane, que busca ali o niilismo de crítica à realidade que conheceu. Quando percebe esse contraste, a personagem irá se impor uma escolha única: ficar no exílio com liberdade cultural e conforto; ou abrir mão de sua individualidade para voltar à sua terra natal.

Mas nada de saídas fáceis e sentimentais para esse filme com visual tão fácil e sentimental. Nada de indulgência dramática nessa animação que parece ser tão pobre em meios como em soluções para as suas questões morais. Persepolis é forte exatamente onde poderia ser fraco: ele nunca é indulgente com as histórias que conta -- e chega a beirar a crueldade com sua protagonista.

Preste atenção em como são desenhados os prédios nas cidades em que se passa a história, Teerã e Viena. E nas vozes das três mulheres do filme, Marjane, sua mãe e sua avó, interpretadas em francês por Chiara Mastroianni, Catherine Deneuve e Danielle Darrieux, respectivamente.

El Orfanato (Juan Antonio Bayona, MEX/ESP, 2007)

2008-01-02T06:05:00.000-08:00

El Orfanato é daqueles filmes sobre os quais é muito difícil escrever, pois todas as revelações que pode-se fazer sobre a trama -- mesmo que inconscientemente -- podem tirar a graça da surpresa final. O filme de estréia do espanhol Juan Antonio Bayona bebe na fonte dos clássicos filmes de suspense e amarra o ambiente de terror com um roteiro inteligente que lembra os ótimos The Sixth Sense (M. Night Shyamalan, 1999) e The Others (Alejandro Amenábar, 2001). O filme tem um padrinho e tanto. Ele é apresentado e produzido por Guillermo Del Toro, de El Laberinto del fauno (2006) e Hellboy (2004).

O filme ganhou, entre outros prêmios, Melhor Filme e Melhor Diretor Revelação, no Festival de Barcelona.

El Orfanato consegue fazer uma coisa difícil para filmes de gênero: ele repete lugares-comuns e fórmulas prontas de uma forma fresca, que parece soar como novidade. Assim, quando somos surpreendidos com a imagem de uma criança que aparece subitamente no fundo de um corredor escuro vestida com uma roupa estranha, realmente apertamos mais firme o braço da poltrona ao invés de dar uma risada do tipo "oh-que-surpresa!".

"Um conto de amor. Uma história de terror." Essa é a tag do filme. Prova de que Bayona e o roteirista Sergio G. Sánchez não querem apenas dar sustos, mas atingir um alvo um pouco mais complexo. O filme conta a história de uma mulher (Belén Rueda) que decide voltar para a casa onde foi criada para transformá-la em um orfanato para crianças doentes. Seu filho adotivo, Simón (Roger Príncep), a acompanha e logo faz um amigo invisível. Tudo muito normal.

Pelo menos até que o amigo imaginário, Tomás, começa a atemorizar a família aparecendo com um saco que estopa apodrecido cobrindo a sua cabeça. Um dos fantasmas mirins mais assutadores já criados.

Preste atenção no uso magistral que Bayona faz do contraste entre claro e escuro para dar dramaticidade às cenas. E na atuação de Geraldine Chaplin como a assistente social esquisita e assustadora que surge no orfanato.

Aniversário da primeira projeção de cinema

2007-12-28T05:05:00.001-08:00

No dia 28 de dezembro de 1895, no Salon Indien du Grand Café, em Paris, os irmão Lumière (Auguste Marie Nicolas e Louis Jean) realizaram a primeira projeção pública de filmes.

Na ocasião dez filmes foram projetados, sendo o primeiro La Sortie de l'Usine Lumière à Lyon, considerado o primeiro filme da História. Cada um dos pequenos filmes tinha algo em torno de 46 segundos (17 metros de película). Ao lado, o pôster do evento.

Além dos documentários da vida cotidiana do povo de Lyon e Paris, os Lumière, fizeram a primeira ficção em filme: Le Jardinier (O Jardineiro, ou O Regador Regado).

Os filmes projetados na ocasião foram (em ordem):

La Sortie de l'Usine Lumière à Lyon (46s)
La Voltige (46s)
La Pêche aux Poissons Rouges (42s)
Le Débarquement du Congrès de Photographie à Lyon (48s)
Les Forgerons (49s)
Le Jardinier (49s)
Le Repas (de bébé) (41s)
Le Saut à la Couverture (41s)
La Place des Cordeliers à Lyon (44s)
La Mer (Baignade en mer) (38s)

Na edição abaixo, estão alguns dos filmes projetados no Grand Café e alguns outros feitos pelos Lumière na mesma época, mas que não participaram daquela primeira demonstração, como o famoso L'Arrivée d'un Train en Gare de la Ciotat, que teria provocado pânico na audiência, pois as pessoas acreditaram que poderiam estar correndo perigo de serem atropeladas pelo trem.

There Will Be Blood (P. T. Anderson, EUA, 2007)

2007-12-27T04:35:00.000-08:00

Depois de provar que é um dos melhores diretor em Hollywood com menos de 40 anos com filmes urbanos e contemporâneos como Sydney (1996), Boogie Nights (1997) e Magnolia (1999), Paul Thomas Anderson se lança em um épico para contar uma parte peculiar na história norte-americana: a corrida do petróleo.

Baseado levemente no romance de Upton Sinclair, Oil!, There Will Be Blood conta essa corrida no Sul da Califórnia no final do século XIX. Mas a qualidade do roteiro é incrível quando percebemos, somado ao relato histórico, dezenas de referências bíblicas sobre inveja e ganância. Daniel Day-Lewis interpreta magistralmente Daniel Plainview, um especulador de petróleo que vai furar poços e encarna o próprio estereótipo do monstro capitalista sem escrúpulos que deseja ardentemente enriquecer na "terra das oportunidades". No deserto californiano, não há um Deus benevolente, apenas o óleo negro e a fúria pela riqueza.

A alegoria do filme é sobre o início do Século Americano. E é sobre como essa soberania de riqueza foi construída sobre os ombros de alguns homens que beiraram o fanatismo ao construir suas fortunas diante da vontade e do trabalho.

A parcela íntima do filme é composta pela relação entre Plainview e H.W. (o estreante Dillon Freasier). Surgido misteriosamente como o próprio petróleo do deserto, o garoto terá uma relação filial com Plainview, que chegará próxima de ser carinhosa. Mas detonará também o conflito entre a ganância e a culpa, a cobiça e o pecado, que assombra a trama do filme.

Essa trama de desenrola a partir do momento em que Plainview segue com H.W. para o Sul da Califórnia com o intuito de comprar novas terras para a prospecção de petróleo. As belas cenas de petróleo jorrando dos poços, destruindo as torres de perfuração e inundando a terra de negrume e riqueza trazem também a inquietação para a ignorante população local. Extremamente pobre, esse povo vê em Plainview um salvador. E esse papel será ameaçado quando Eli Sunday (Paul Dano) chega na comunidade para "espalhar a palavra de Deus".

There Will Be Blood sem dúvida é um filme mais interessante para o público norte-americano que vê um dos alicerces da construção de sua nação desmistificados cruamente. Para os brasileiros, é mais um ótimo filme de P. T. Anderson, original e incrivelmente bem realizado.

Esse filme é muito mais linear e pode parecer aos olhos da audiência menos interessante do que os anteriores de Anderson. Mas isso se deve a uma avaliação apressada. Na verdade, Anderson parece estar mais à vontade e podendo abrir mão de um exagero autoral. Todo o filme soa perfeito e bem acabado, lembrando muito Robert Altman, com quem Anderson trabalhou no último filme do grande mestre, A Prairie Home Companion (2006).

Preste atenção na grande atuação de Daniel Day-Lewis, que parece ter se apropriado da alma de Plainview, como fez em Gangs of New York (2002). E na seqüência inicial do filme, cujas imagens no deserto remetem ao começo de 2001: A Space Odyssey (1968), de Stanley Kubrick.

Estrelas se calam em apoio à greve de roteiristas

2007-12-26T05:02:00.001-08:00

Alguns dos melhores atores de Hollywood (e dos mais engajados) participaram de uma das mais criativas formas de protesto usadas até agora pelos roteiristas norte-americanos, em greve por uma melhor participação nos lucros dos estúdios e TVs com a venda de conteúdo na internet e em DVD.

A campanha, batizada de Speechless, tem até agora 28 episódios, que podem ser conferidos na página oficial da greve. Nos vídeos, os atores aparecem encenando situações sem ter roteiros para seguir ou falando em línguas incompreensíveis. Nas mais bonitas aparições, os astros e estrelas simplesmente ficam mudos diante das câmeras.

Abaixo, alguns dos melhores vídeos:

"Estamos todos em perigo", última entrevista de Pier Paolo Pasolini

2007-12-24T09:52:00.000-08:00

Essa entrevista aconteceu na tarde do sábado 1o de novembro de 1975, poucas horas antes do assassinato do cineasta italiano Pier Paolo Pasolini. O título foi sugerido pelo próprio Pasolini ao entrevistador Furio Colombo. No final da conversa, Pasolini disse ao entrevistador: “Eis a semente de tudo, o sentido de todas as coisas. Você nunca sabe quem, nesse exato momento, pode estar pensando em matar você. Use isso como título da entrevista, se quiser: ‘Estamos todos em perigo’”.

Pergunta - Pasolini, nos seus artigos você já deu diversas declarações sobre as coisas que detesta. Você já levantou bandeiras solitárias contra tantas coisas: instituições, marcas, pessoas e poder. Para simplificar as coisas, eu vou chamar tudo isso de “situação”, que seria todas as coisas contra as quais você já se bateu. Permita-me propor uma objeção. A “situação”, com todos os males que você vê nela, também tem todos os elementos que fazem Pasolini possível. O que eu quero dizer é que, mesmo com todo o seu talento e mérito, as ferramentas são dadas pela “situação”: publicidade, cinema, organização, mesmo objetos. Façamos de conta que você é mágico. Com um pequeno gesto seu, tudo que você detesta desaparecesse. O que seria de você então? Não ficaria sozinho e sem todas as ferramentas de expressão que necessita?

Pier Paolo Pasolini - Eu entendo. Mas eu não apenas tento alcançar esse estágio de mágica, eu acredito nele. Eu acredito que se possa ficar batendo com um dedo em uma parede até que toda a casa venha abaixo. Podemos ver um pequeno exemplo disso no Partido Radical [partido italiano de extrema esquerda fundado em 1955 e tranformado, em 1989, no Partido Radical Transnacional], um amontado de gente capaz de influenciar todo o país. Você bem sabe que eu não concordo com eles, mas eu estou indo agora mesmo para a conferência deles. Mais do que tudo, é a História que nos dá os melhores exemplos. Contestação tem sempre sido de fundamental importância. Santos, heremitas e intelectuais, os poucos que fizeram História, foram aqueles que disseram “não”, não foram os assistentes dos nobres e dos cardeais. Então, para ser direto, contestação deve ser em grande escala, ampla e total, “absurda” e sem bom senso. Não pode apenas se apresentar sobre esse e aquele ponto. Eichmann tinha muito bom senso. O que faltou para ele então? Ele não disse “não” de forma clara e direta logo no início, quando ele era ainda um mero administrador, um burocrata. Ele devia ter dito para algum dos seus amigos: “Eu não gosto mesmo de Himmler”. Ele devia ter sussurrado alguma coisa, vazado algo como acontece em agências de publicidade, em redações de jornal, no segundo escalão de governos. Mas ele nunca parou a máquina. Então há três pontos a se ver: o que é isso que você chama de “situação”, por que devemos escolher saldar ou destruí-la, e como.

Pergunta - Bem, descreva a “situação”, então. Você sabe muito bem que as suas observações são como o sol brilhando através da poeira do ar. É uma imagem bonita, mas as coisas às vezes são pouco claras.

Pasolini - Eu agradeço pela imagem, mas espero bem menos do que isso. Tudo que eu quero é que você olhe em volta e note a tragédia. Qual é a tragédia? É que não há mais seres humanos; só existem algumas máquinas estranhas que colidem umas com as outras. E nós, intelectuais, olhamos para horários de trens antigos e falamos: “Estranho, não deviam esses trens seguir por esse caminho. Como eles puderam bater desse jeito? Ou o engenheiro ficou louco ou ele é um assassino. Ou, melhor ainda, tudo isso é uma conspiração”. Nós sempre gostamos de teorias da conspiração, porque elas nos aliviam de ter de lidar com a verdade. Não seria maravilhosos se, enquanto nós conversamos aqui, alguém no porão estivesse planejando nos matar? É tão fácil, é tão simples, e é a resistência. Nós podemos perder alguns amigos, mas nós acabaremos juntando as nossas forças e varrendo todos para fora. Um pouco para nós, um pouco para eles, você não acha? E eu sei que quando eles mostram Paris em chamas na TV, todo mundo senta com lágrimas nos olhos, desejando apenas que a História se repita, mas de forma limpa e bonita. O efeito do tempo é que ele lava tudo, deixa tudo limpo, como a chuva sobre as paredes das casas. É simples, eu estou deste lado e você está do outro. Não vamos fazer piadas sobre o sangue e a dor com que as pessoas pagaram para ter opções. Mas vamos admitir que era mais fácil lutar naquela época. Com coragem e consciência, um homem normal sempre poderia rejeitar uma Salò fascista ou uma SS nazista, mesmo que fosse no seu interior (onde todas as revoluções têm início). Mas hoje em dia é diferente. Alguém pode chegar caminhando na sua direção vestido como um amigo, muito gentil e educado, mas ele é na verdade um “colaborador”. A razão diz que ele precisa, antes de tudo, ganhar o seu sustento, e ele não está prejudicando ninguém. Outro, ou outros, os grupos, vem na sua direção agressivamente com suas chantagens ideológicas, suas admoestações, seus sermões e seus anátemas que soam como ameaças. Eles marcham com bandeiras e slogans, mas o que separa-os do “poder”?

Pergunta - Bem, o que é poder na sua opinião? Onde ele está? Como pode-se revelar esse poder?

Pasolini – Poder é um sistema educacional que nos divide entre sujeitos e subjugados. É um sistema educacional que nos forma a todos, desde a assim chamada classe dominante até os mais pobres entre nós. É por isso que todos querem as mesmas coisas e todos agem da mesma forma. Se eu tivesse acesso a um conselho administrativo ou a uma corretora de ações, seria isso que eu usaria. De outra forma, eu uso um porrete. E quando eu uso um porrete, eu vou usá-lo de todas as forma para conseguir o que eu quiser. Por que eu quero isso? Por que eu fui ensinado que é uma virtude ter isso. Eu estou apenas exercitando minhas virtudes. Eu sou um assassino, mas eu sou uma boa pessoa.

Pergunta – Você tem sido acusado de ser incapaz de fazer distinção entre política e ideologia. Tem se dito que você perdeu a habilidade de diferenciar os sinais da enorme diferença que existe entre fascistas e não-fascistas, dentro na nova geração.

Pasolini – Era disso que eu estava falando quando mencionei os horários de trens anteriormente. Você já viu aquelas marionetes que fazem as crianças rir imensamente porque seus corpos ficam virados para um lado enquanto suas cabeças olham para o outro? Bem, é assim que eu vejo essa maravilhosa tropa de intelectuais, sociólogos, expertos e jornalistas com suas nobres intenções. As coisas estão acontecendo, mas as cabeças deles estão viradas para outro lado. Eu não estou dizendo que não haja Fascismo. O que eu estou dizendo é: não fala comigo sobre o mar quando estamos nas montanhas. É uma paisagem diferente. Há um desejo de matar aqui. E esse desejo nos amarra todos juntos como irmãos sinistros da falência de todo o sistema social. Eu também adoraria se fosse fácil separar a ovelha negra. Eu também vejo a ovelha negra. Eu vejo uma porção delas. Eu vejo todas elas. Esse é o problema. É como descer ao Inferno. Mas quando eu volto – se eu volto – eu vejo um monte de outras coisas. Eu não estou pedindo para você acreditar em mim. Eu estou dizendo que vocês estão sempre mudando de assunto para evitar encarar a verdade.

Pergunta – E qual é a verdade?

Pasolini – Me desculpe por ter usado essa palavra. O que eu queria dizer era “evidência”. Deixe-me reordenar as coisas. Primeira tragédia: uma edução única, obrigatória e errada, que nos empurra para uma mesma arena em que temos de ter tudo a todo o custo. Nessa arena nós somos empurrados para uma formação de guerra em que alguns carregam canhões e outros, porretes. Aqui nós a temos a velha máxima de dar razão para os mais fracos. Mas o que eu estou dizendo é que, de alguma forma, todos são fracos, porque todos são vítimas. E todos são culpados, porque todos estão dispostos a jogar esse jogo assassino da possessão. Todos aprendemos a ter, possuir e destruir.

“Estamos todos em perigo” - Parte 2

2007-12-24T09:36:00.000-08:00

Pergunta – Deixe-me voltar para a primeira pergunta então. Imaginemos que você pode abolir magicamente todas as coisas. Mas você vive de livros e você precisa que exista gente inteligente para ler… consumidores educados de um produto intelectual. Você é um cineasta e, como tal, você precisa de bastante dinheiro (você é muito bem sucedido e é “consumido” avidamente pelo público), mas você precisa também de técnicos, administradores e de toda uma indústria que está no meio disso tudo. Se você remover tudo isso, com um tipo de paleo-catolicismo e neo-monasticismo chinês, o que sobrará?

Pasolini – Tudo. Eu sou o que sobrará, estando vivo, estando no mundo, um lugar para se contemplar, trabalhar e entender. Há centenas de formas de contar histórias, de ouvir as línguas, de reproduzir dialetos. Outros sobrarão com muito mais. Eles podem manter-se como eu, cultos como eu ou ignorantes como eu. O mundo se torna maior, tudo pertence a nós e não há necessidade do mercado de capitais, do conselho administrativo e do porrete. Você vê, no mundo com o qual sonhamos (permita-me que eu me repita: vendo horários de trens de um ano ou trinta anos atrás), há um patrão malévolo com uma cartola e dólares escorrendo de seus bolsos e uma viúva e seus filhos implorando por caridade, como no lindo mundo de Brecht.

Pergunta – Você está dizendo que sente saudades desse mundo?

Pasolini – Não! Minha nostalgia é pelos pobre que lutaram para derrotar o patrão sem se tornar aquele patrão. Como eles foram excluídos de todo, eles permaneceram descolonizados. Eu tenho medo desses revolucionários que são exatamente como os patrões, igualmente criminosos, que querem tudo a qualquer preço. Essa ostentação materialista torna difícil distingüir a que “lado” cada um pertence. Qualquer um que for levado para uma emergência de hospital quase morrendo vai estar muito provavelmente mais interessado no que o médico possa lhe dizer sobre as suas chances de viver do que no que um policial possa lhe relatar sobre os mecanismos do crime. Tenha certeza que eu não estou condenando as intenções nem estou interessado na cadeia de causas e efeitos: eles antes, ele antes ou quem é o primeiro culpado. Eu acho que nós definimos aquilo que você chamou de “situação”. É como a chuva sobre a cidade e as bocas-de-lobo estão entupidas. A água sobe, mas a água é inocente. Não tem a fúria do mar nem a raiva da correnteza de um rio. Mas, por alguma razão, ela sobe ao invés de descer. É a mesma água de tantos poemas adolescentes e de canções como “Singing in the Rain”. Mas ela sobe a afoga você. Se é onde nós estamos, eu vou dizer para não perdermos tempo colocando etiquetas com nomes aqui e ali. Vamos ver como podemos desentupir os canos antes que todos nos afoguemos.

Pergunta – E para chegar lá você quer todos sendo ignorantes e ovelhas felizes e idiotizadas?

Pasolini – Colocar nesses termos seria absurdo. Mas o sistema educacional como ele é não pode criar outra coisa senão gladiadores desesperados. As massas estão crescendo, assim como o desespero e a raiva. Claro que eu lamento uma revolução pura comandada por gente oprimida cujo principal objetivo é obter a liberdade para coordenar as suas próprias vidas. Claro que eu ainda tento imaginar que algo assim possa ser possível nas histórias italiana e mundial. O melhor dessa visão ainda pode inspirar algum dos meus futuros poemas. Mas não pode inspirar o que eu sei ou o que eu vejo na minha frente. Eu quero dizer isso clara e diretamente: eu desço ao Inferno e eu vejo coisas que não perturbam a paz dos outros. Mas tenha cuidado. O Inferno está se erguendo sobre todos vocês. É verdade que há um sonho de uniformidade e de justificação, mas também é verdade que há um desejo e uma necessidade de contra-atacar, de assaltar, atacar, matar, e é um desejo de atinge muitos. A experiência arriscada e privada daqueles que tocaram na “vida de violência” não vai estar disponível por muito tempo. Não se engane. E você é, juntamente com o sistema educacional, com a televisão, com os seus jornais pacifistas, os grandes mantenedores dessa horrenda ordem fundada no conceito da possessão e na idéia da destruição. Por sorte, você parece ficar feliz quando é capaz de colocar uma etiqueta sobre um cadáver com a descrição de como se deu o assassinato. Isso para mim é apenas mais uma das operações da cultura de massas. Desde que nós não conseguimos prevenir algumas coisas de acontencerem, nós nos contentamos em construir abrigos para mantê-las lá, escondidas.

Pergunta - Mas abolir também significar criar outras coisas, a não ser que você também seja um destruidor. O que deve acontecer com os livros, por exemplo? Eu certamente não quero ser uma dessas pessoas que se angustiam mais pela perda da cultura do que pela perda de outras pessoas. Mas essas pessoas salvas na sua forma de ver as coisas, num mundo diferente, não podem mais ser primitivas (uma acusação geralmente direcionada para você). E se nós não quisermos reprimir os “mais avançados”…

Pasolini - O que me faz tremer de medo.

Pergunta - Se nós não quisermos cair novamente em lugares comuns, deve haver um tipo de solução. Por exemplo, na ficção científica, como no Nazismo, queimar livros é sempre o primeiro passo em direção ao massacre. Uma vez que você tenha fechado as escolas e abolido a televisão, como você daria vida e cultura para o mundo?

Pasolini - Eu acho que eu já considerei esse problema em relação à Moravia. Fechar ou abolir na minha forma de falar quer dizer “mudar”. Mas mudar de uma forma dramática e desesperada como a que a situação requer. O que realmente impede um diálogo com respeito à Moravia, mas ainda mais com relação a Firpo, por exemplo, é que de alguma forma nós não estamos vendo a mesma cena, nós não conhecemos as mesmas pessoas e nós não ouvimos as mesmas vozes. Para você e para eles, as coisas acontecem quando viram notícias, belamente escritas, formatadas, editadas e tituladas. Mas o que está sob a superfície de tudo isso? O que está faltando é um cirurgião que tenha a coragem de examinar o tecido e declarar: cavalheiros, isso é um câncer e não é do tipo benigno. O que é um câncer? É algo que muda todas as células, que faz com que elas crescem de uma forma perniciosa, fora de toda a lógica prevista. Um paciente de câncer sonha com um corpo saudável como o que ele tinha antes. Ele é nostálgico, mesmo que antes ele fosse um estúpido desgraçado. Antes do câncer, quero dizer. Antes de mais nada, ele terá que fazer um baita esforço para voltar à imagem que tinha antes. Eu escuto todos os políticos e as suas pequenas fórmulas e isso me deixa insano. Eles não parecem saber de que país eles estão falando; eles são tão distante da Terra quanto a Lua. E o mesmo cabe dizer dos escritores, sociólogos e expertos de todos os tipos.

Pergunta - Por que você acha que as coisas são mais evidentes para você?

Pasolini - Eu não quero falar mais sobre mim mesmo. Talvez eu já tenha falado demais. Todos sabem que eu já paguei pelas minhas experiências pessoalmente. Mas também existem os meus livros e os meus filmes. Talvez eu esteja errado, mas eu vou seguir dizendo que estamos todos em perigo.

Pergunta - Pasolini, se é assim que você vê a vida, eu não sei se você vai aceitar responder à próxima pergunta: como você espera evitar o risco e o perigo involvidos?

Fica tarde, Pasolini não acende nenhuma luz e começa a ficar difícil tomar notas. Nós olhamos para o que eu havia escrito. Então, ele pede que eu deixe a lista de perguntas restantes com ele.

Pasolini – Existem algumas frases que parecem um pouco absolutas demais. Deixe-me pensar sobre isso, olhar para isso. E deixe eu bolar uma resposta memorável. Eu tenho uma coisa na cabeça para a sua pergunta. Eu acho mais fácil escrever do que falar. Eu vou passar para você as minhas anotações amanhã de manhã.

No dia seguinte, um domingo, o corpo de Pasolini estava no necrotério da polícia de Roma.

Inland Empire (David Lynch, POL/FRA/EUA, 2006)

2007-12-21T04:40:00.001-08:00

O lugar mais estranho e inóspito de Hollywood é a mente de David Lynch. Prova disso é o que esta mente produziu em Inland Empire, traduzido para O Império dos Sonhos. O filme segue com o projeto de Lynch de superar os limites da experiência em cinema para algo a mais do visual e da história. Algo que beire a filosofia aplicada ao conhecimento dos meandros da mente humana explorada através do cinema.

Deve-se ir aos filmes de Lynch disposto a ter a cabeça revirada pelo gênio atrás da câmera. Deve-se permitir que todas as nossas normas de compreensão sejam desarticuladas. É necessário tentar antes de mais nada explorar a própria gramática visual do cineasta com suas nuances de ritmo.

Pois Lynch está filmando como se sonhasse. Assim como quando dormimos, nos filmes dele uma circunstância pode passar em um átimo de segundo ou pode se desmembrar, se repetir e levar dezenas de minutos acontecendo. Nosso exercício é desvendar essa linguagem e nos deleitarmos com a experiência única do filme.

Mais estranho que o próprio filme, totalmente realizado em vídeo, é o ambiente de criação de David Lynch. Ele foi captado durante os dois anos de produção e filmagem de Inland Empire e virou um documentário. Lançado no ano passado, ele ganhou o prêmio de melhor filme digital no Festival de Veneza.

Nas últimas três décadas, Lynch criou uma sólida cinematografia baseada nessa estranheza e nesse desejo de superar o próprio cinema para contar as suas histórias. O bebê deformado de Eraserhead (1977), a deformidade física chegando ao ápice em The Elephant Man (1980), o surrealismo anos 80 de Blue Velvet (1986), o mistério policial em Twin Peaks, e o cume na obra-prima cinematográfica que é Mulholand Dr. (2001).

Inland Empire "conta" (a respeito de Lynch nunca podemos estar totalmente certo disso) a história de uma atriz pornô em final de carreira, Nikki Grace (Laura Dern, em sua terceira parceria com Lynch), que recebe uma estranha visita. Essa vizinha sem nome (vivida por Grace Zabriskie), com um forte sotaque do leste europeu, passa a contar a Nikki o enredo de uma história que dará início à toda a série de "absurdos" e "estranhezas" do filme.

Logo depois da conversa com a estranha vizinha, Nikki é convidada para participar de um novo filme (On High in Blue Tomorrows), a ser dirigido por Kingsley Stewart (Jeremy Irons), e co-estrelado por Devon Berk (Justin Theroux). Um melodrama, esse filme lançará os atores em um triângulo amoroso com a personagem vivida por Julia Ormond. Aos poucos os mundos real e fictício passam a se confundir na cabeça de Nikki. E nós mesmos deixamos de perceber claramente quando observamos algo fantasioso ou real.

Nesse mundo pictórico construído por Lynch para ser habitado pela sua personagem principal, vemos uma série de referências de estilo. Ali, Nikki percorre diversas salas tentando entender a si própria. Cada sala tem uma característica única. Cortinas vermelhas, estampas florais, texturas de parede. Uma mulher polenesa que assiste a uma televisão que só passa estática. Uma outra sala que parece um museu europeu, tamanha a sofisticação da decoração. Todos esses cenários, ricos em suas cargas narrativas são responsáveis pelo sucesso alcançado por Lynch para transmitir as diferentes atmosferas do filme. Mesmo que não entendamos o que se passa na tela, isso deixa de ser importante devido à própria experiência sensorial que começamos a sentir. Esse é o grande barato do filme.

Inland Empire deixa de lado o enredo de um protagonista que evolui dentro de uma história. A série de cenas que soam aleatórias, as situações absurdas e aparentemente incoerentes deixam de ser importantes por elas mesmas. Não há um encadeamento lógico. E é nisso que Lynch se torna genial: ao varar os limites do cinema e deixar que as diversas histórias passem a ter apenas inícios. Podemos imaginar o que aconteceu antes ou o que ocorrerá depois. Ou podemos apenas esquecer. Como os sonhos. E como nos sonhos, ele parece ser estar muito perto da realidade.

Numa entrevista dada durante a produção do fime, Lynch disse que estava filmando sem um roteiro terminado, no que é fácil de acreditar. Como na prática surrealista de escrever automaticamente, o filme soa como se tivesse sido feito aleatoriamente.

Inland Empire não é, por último, um filme para se amar. É um obra-prima para ser admirada. E para tentar decifrar, mesmo que isso possa parecer impossível. O prazer dele pode ser fugidio ou mesmo frustante para a maioria das pessoas (foi para mim nessa primeira vez que o assisti). É um filme que não se dá a uma aproximação muito íntima. Mas assistido com atenção, ele se transforma em algo engraçado e, sem dúvida, uma das experiências estéticas mais interessantes que o cinema já produziu.

O Sobrevivente (Rescue Dawn, EUA, 2006)

2007-12-14T09:19:00.000-08:00

Werner Herzog está sempre nos trazendo alguma coisa de dentro da floresta. Foi assim em suas estranhas parcerias com Klaus Kinski em Aguirre (1972), Fitzcarraldo (1982) e Cobra Verde (1987); ou em seus documentários como The White Diamond (2004) e Grizzly Man (2005).

De volta, novamente das entranhas de uma floresta tropical, o cineasta alemão nos brinda com um intenso filme de guerra. Rescue Dawn, que ganhou o título algo bobo de O Sobrevivente, pode ser conferido nas telas de São Paulo. O filme conta a história real de um piloto da marinha norte-americana, Dieter Dengler, vivido na tela por Christian Bale, que, após uma queda é capturado e preso no Laos, durante a guerra do Vietnã. Ele inicia uma tentativa de escapar que o levará heroicamente ou à liberdade ou à morte. Uma escolha dramática que suscita muitas das obras de Herzog.

A evolução do personagem de Bale é o grande achado da direção de Herzog. Durante o filme, ele passa de um típico militar disciplinado a um fanático que tem como objetivo único conquistar a liberdade, mesmo que para isso, paradoxalmente, ele precise morrer.

A história já tinha sido contada por Herzog em um documentário de 1997, Little Dieter Needs to Fly. Se deixarmos de considerar talvez uma idolatria exagerada aos valores do American-way-of-life, simbolizado pelo piloto-americano-amante-de-beisebol, o filme é uma alegoria incrível ao espírito de liberdade e da esperança que joga o personagem às margens da insanidade -- exatamente como Fitzcarraldo ao carregar um navio por sobre uma montanha no meio da Amazônia.

Essa maravilha cinematográfica, porém, não está livre de falhas. O final é um tanto convencional e melodramático -- algo que espanta em um diretor dado a cruezas como Werner Herzog.

Desejo e Reparação domina lista do Globo de Ouro

2007-12-13T16:35:00.000-08:00

A Associação de Imprensa Estrangeira de Hollywood divulgou hoje os títulos que concorrerão ao Globo de Ouro, considerado uma prévia do Oscar. A noite de premiação será em 13 de janeiro do ano que vem e não contará com nenhum representante brasileiro.

O recordista de indicações é o drama de guerra Desejo e Reparação (Atonement, Joe Wright, Inglaterra/França, 2007), baseado no romance de Ian McEwan. O longa concorrerá a melhor filme dramático, melhor atriz (Keira Knightley), melhor ator (James McAvoy), melhor direção, melhor roteiro (Christopher Hampton) e melhor atriz coadjuvante.

Segue a lista de todos os indicados:

Melhor Filme Drama:
O Gângster
Desejo e Reparação
Senhores do Crime
The Great Debaters
Conduta de Risco
Onde os Fracos Não Têm Vez
Sangue Negro

Melhor Filme - Comédia ou Musical
Across The Universe
Jogos do Poder
Hairspray
Juno
Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet

Melhor atriz - Drama
Cate Blanchett por Elizabeth: A Era de Ouro
Julie Christie por Longe Dela
Jodie Foster por Valente
Angelina Jolie por O Preço da Coragem
Keira Knightley por Desejo e Reparação

Melhor ator - Drama
George Clooney por Conduta de Risco
Daniel Day-Lewis por Sangue Negro
James McAvoy por Desejo e Reparação
Viggo Mortensen por Senhores do Crime
Denzel Washington por O Gângster

Melhor atriz - Comédia ou Musical
Amy Adams por Encantada
Nikki Blonsky por Hairspray
Helena Bonham Carter por Sweeney Todd
Marion Cotillard por Piaf - Um Hino ao Amor
Ellen Page por Juno

Melhor ator - Comédia ou Musical
Johnny Depp por Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet
Ryan Gosling por Lars and the Real Girl
Tom Hanks por Jogos do Poder
Philip Seymour Hoffman por The Savages
John C. Reilly por Walk Hard: The Dewey Cox Story

Melhor Ator Coadjuvante
Casey Affleck por O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford
Javier Bardem por Onde os Fracos Não Têm Vez
Philip Seymour Hoffman por Jogos do Poder
John Travolta por Hairspray
Tom Wilkinson por Conduta de Risco

Melhor Atriz Coadjuvante
Cate Blanchett por I'm Not There
Julia Roberts por Jogos do Poder
Saoirse Ronan por Desejo e Reparação
Amy Ryan por Medo da Verdade
Tilda Swinton por Conduta de Risco

Melhor Diretor
Tim Burton por Sweeney Todd: o barbeiro demoníaco da rua Fleet
Ethan e Joel Coen por Onde os Fracos Não Têm Vez
Julian Schnabel por O Escafandro e a Borboleta
Ridley Scott por O Gângster
Joe Wright por Desejo e Reparação

Melhor Roteiro
Christopher Hampton por Desejo e Reparação
Aaron Sorkin por Jogos do Poder
Ronald Harwood por O Escafandro e a Borboleta
Diablo Cody por Juno
Joel e Ethan Coen por Onde os Fracos Não Têm Vez

Melhor Filme em Língua Estrangeira
4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias (Romênia)
O Escafandro e a Borboleta (França, EUA)
O Caçador de Pipas (EUA)
Lust, Caution (Taiwan)
Persepolis (França)

Melhor Filme de Animação
Bee Movie - a história de uma abelha
Ratatouille
Os Simpsons: o filme

Melhor canção
Encantada - "That's How You Know"
Grace Is Gone - "Grace Is Gone"
Into the Wild - "Guaranteed"
O Amor nos Tempos do Cólera - "Despedida"
Walk Hard: The Dewey Cox Story - "Walk Hard"

Melhor Trilha Sonora
Desejo e Reparação - Dario Marianelli
Senhores do Crime - Howard Shore
Grace Is Gone - Clint Eastwood
Into the Wild - Michael Brook
O Caçador de Pipas - Alberto Iglesias

Sala escura (14, 15 e 16 de dezembro)

2007-12-13T06:20:00.000-08:00

Não há razões para ficar em casa neste fim de semana. A previsão é de tempo ruim e temos grandes filmes estreando. Sugestões do Cinemais para o fim de semana nos cinemas.

O Sobrevivente (Rescue Dawn, Werner Herzog, EUA, 2006)
Simplesmente imperdível, esse filme conta uma história real que já foi filmada pelo próprio Herzog em forma de documentário. É a história de prisioneiros de guerra americanos no Vietnã, que tentam escapar do cativeiro enquanto seus companheiros não poupam esforços para localizá-los. A direção segura de Herzog permitiu a Christian Bale uma atuação incrível, comparável a sua performance em O Maquinista. Uma alegoria poética ao espírito humano e à crueza estúpida da guerra.

A Vida dos Outros (Das Leben der Anderen, Donnersmarck, ALE, 06)
Ganhador do Oscar de melhor filme em língua estrangeira, esse drama é ambientado em Berlim Oriental no ano de 1984. O capitão Wiesler (Ulrich Muhe) é um dos melhores e mais dedicados funcionários da polícia secreta, a Stasi, que vigia toda a população da porção comunista de Berlim.Wiesler é encarregado de levantar informações contra um dramaturgo, porque o seu superior está interessado na esposa dele. Mas Wiesler nada consegueue desabone o artista. Um filme sobre lealdade, obediência e justeza moral. Preste atenção em como o diretor, mesmo em seu filme de estréia, consegue um equilíbrio perfeito entre o horror da tortura e o cômico de um Estado vigilante.

Novo Mundo (Nuovomondo, Emanuele Crialese, ITA/ALE/FRA, 2006)
Baseado em cartas de imigrantes italianos que viajaram para os Estados Unidos no início do século XX fugindo das carestias da Europa e em busca do sonho de uma vida mais confortável, o filme recebeu seis prêmios no Festival de Veneza (incluindo Revelação e Melhor Filme). O filme conta a história da família Mancuso que deixa a Sicília. Durante a viagem, Salvatore Mancuso se apaixona por uma mulher inglesa. A chegada aos Estados Unidos marca o reinício das lutas da família, agora para permanecer unida. O ator Vincent Schiavelli morreu durante as filmagens do longa.

Onde ver:

O Sobrevivente

Cine Lumière, 1 - 14h - 16h30 - 19h - 21h30

Frei Caneca Unibanco Arteplex, 4 - 16h10 - 18h50 - 21h20
0h - sáb.

Multiplex Bristol, 1 - 14h - 16h30 - 19h - 21h30
23h59 - sáb. e dom.

Shopping Anália Franco - UCI, 6 - 13h - 15h35 - 18h10 - 20h45
23h30 - sex. e sáb.

Shopping Center Iguatemi, 1 - 14h - 16h30 - 19h - 21h30

Shopping Jardim Sul - UCI, 3 - 13h - 15h35 - 18h10 - 20h45 - 23h20 - sex. e sáb.

Shopping Market Place - Playarte, 1 - 14h - 16h30 - 19h - 21h30

Shopping Morumbi - Cine Tam, Londres - 14h10 - 16h40 - 19h10 - 21h40
0h - sáb.

Shopping Santa Cruz - Cinemark, 9 - 16h05 - 19h - 21h40
0h20 - sex. e sáb.

A Vida dos Outros

Cine IG, 1 - 14h - 16h30 - 19h - 21h30

Espaço Unibanco, 2 - 14h - 16h30 - 19h - 21h30
0h - sáb.

Frei Caneca Unibanco Arteplex, 6 - 13h20 - 16h - 18h40 - 21h20
0h - sáb.

HSBC Belas Artes, Cândido Portinari - 13h30 - 16h - 18h30 - 21h
23h30 - sáb.

Kinoplex Itaim, 2 - 17h50 - 20h40
15h - sáb. e dom.
23h20 - sex. e sáb.

Multiplex Bristol, 7 - 15h45 - 21h15
23h59 - sex. e sáb.

Reserva Cultural de Cinema, 3 - 16h10 - 18h50 - 21h30

Shopping Jardim Sul - UCI, 4 - 14h - sex. e sáb.
21h30 - dom.

Shopping Market Place - Cinemark, 7 - 19h35 - 22h30

Shopping Market Place - Playarte, 3 - 18h15 - 21h

Shopping Villa-Lobos - Cinemark, 2 - 18h - 21h10
0h - sex. e sáb.

Novo Mundo

Cine Bombril, 1 - 14h - 16h30 - 19h

Reserva Cultural de Cinema, 2 - 13h20 - 15h55 - 18h35 - 21h10
23h40 - sáb.

A Vida dos Outros (Das Leben der Anderen, 06)

2007-12-12T09:10:00.000-08:00

O filme de estréia do diretor alemão Florian Henckel von Donnersmarck fez muito mais do que ganhar o Oscar de Melhor filme em língua estrangeira. Ele conciliou, em uma história extremamente bem contada, suspense, melancolia, romance e uma crítica cáustica ao Estado policialesco e antiético da Alemanha Oriental comunista. O resultado pode ser conferido nas salas de São Paulo.

Até que ponto um homem correto pode ir no cumprimento de seu deveres? Essa é a questão central do filme que se amplia ao considerarmos o ambiente em que a história se passa. O capitão Gerd Wiesler (Ulrich Muhe) é um dos mais competentes oficiais da Stasi, a polícia secreta do Estado militar da Alemanha Oriental. O rigor visual e narrativo de von Donnersmarck nos leva a essa Alemanha comunista de 1984 (não por acaso o ano orwerlliano do Grande Irmão) para nos mostrar uma porção ainda obscura da História -- uma porção brutal, cruel e amoral fomentada pelo Estado comunista.

Wiesler recebe a missão de espionar Georg Dreyman (Sebastian Koch), um escritor de peças de teatro famoso. Ele consegue conciliar o respeito da comunidade artística e manter os bons favores do governo, realizando boas peças que agradam politicamente as autoridades. Ele vive com sua namorada, Christa-Maria Sieland (Martina Gedeck), sua atriz favorita. Os dois homens, um burocrata que valoriza a disciplina militar acima de tudo e um artista, são contrapontos perfeitos dentro do roteiro.

Wiesler é ordenado a espionar e encontrar provas de deslealdade ao Estado contra Dreyman. Isso porque seu superior, Minister Hempf (Thomas Thieme), quer motivos para destruí-lo devido a uma paixão por Christa-Maria. Durante essa investigação, nada de desabonador surge das gravações coordenadas por Wiesler. Como em The Conversation (Francis Ford Coppola, EUA, 1974), o espião se torna simpático às suas presas.

O desenrolar da trama toma contornos de thriller enquanto o cerco a Dreyman vai se fechando e Wiesler passa a tentar protegê-lo silenciosamente.

Preste atenção na beleza plástica das cenas dirigidas por von Donnersmarck. Ele consegue enquadrar o universo de seus personagens em planos simples e corretos, lembrando alguma coisa de Ettore Scola.

O labirinto de "Twin Peaks" sai em DVD

2007-12-11T13:00:00.000-08:00

A série cult de televisão criada por Mark Frost e David Lynch finalmente é lançada em DVD. A Paramount Home Video conseguiu editar todo o material de Twin Peaks em uma caixa de luxo. Os 29 episódios que marcaram uma verdadeira revolução em termos de enredo e trama na televisão chegam ao público no formato "Definitive Gold Box Edition". Além dos 29 episódios, os DVDs trazem o piloto original da série e o final alternativo lançado apenas na Europa. Nos Estados Unidos, o box terá preço inicial de US$ 100.

Para quem seguiu apaixonadamente a investigação do agente do FBI Dale Cooper (Kyle MacLachlan), essa reedição é motivo de comemoração. Para os mais jovens que não acompanharam a série, é uma incrível oportunidade de descobrir um dos maiores mistérios da televisão mundial: Quem matou Laura Palmer?

A série se passa na pequena cidade de Twin Peaks, no frio e úmido Estado de Washington, onde uma estudante é assassinada. A investigação do crime leva à descoberta de intensas e surreais situações por parte do cético investigador Cooper. Lynch ainda não havia se deslumbrado com os limites da criação surreal no cinema, de forma que Twin Peaks é acessível para todos os públicos. E uma aula de roteiro de suspense e mistério.

O conteúdo dos DVDs chega totalmente remasterizado, o que valoriza a impecável apresentação fotográfica da série. A atmosfera de suspense é preservada também pelo novo som que aumenta o drama do enredo.

Outro presente dessa edição é o final europeu da série. Por motivos financeiros, Twin Peaks foi encurtado na versão européia e ganhou um final abrupto e totalmente diferente do original. Esse tropeço de percurso pode ser conferido no material agora lançado.

Mais um bônus é o documentário sobre a série com David Lynch contando os bastidores das gravações. Nele ficamos sabendo que, depois do sucesso inicial de Twin Peaks (lançado em abril de 1990 pela ABC), a série conheceu uma segunda temporada de baixa audiência. Segundo Lynch, porque a ABC insistia em que o crime fosse resolvido prematuramente.

Algo do controle inicial da série deve ter sido mesmo tirado dos seus criadores, pois é famoso o fato de que no início Twin Peaks era recheado de pequenos enigmas para serem resolvidos durante a trama: como o corvo que aparecia morto ou o gigante que se materializava e passava alguma pista para Cooper. Isso se perdeu dentro da trama que passou a contar com fórmulas mais simples de enredo: como o concurso de Miss Twin Peaks, que lembra muito uma comédia adolescente.

De qualquer forma, Lynch e Frost revolucionaram a televisão ao levar para uma rede aberta uma trama complexa como as destinadas para o cinema. Sem a revolução de Twin Peaks, as séries adultas talvez nunca pudesse passar das fórmulas de Dallas (drama) ou Cheers (comédia).

Ainda por uma fatia maior

2007-12-10T10:45:00.001-08:00

Para o presidente do sindicato dos roteiristas dos Estados Unidos (Writers Guild of America), Patric Verrone, a greve dos escritores de filmes e programas de televisão, desencadeada há quase dois meses, passou a ser uma luta não mais por dinheiro, mas por respeito.

Os roteiristas, segundo ele, estão tentando recuperar o status que foi perdido quando as grandes empresas tomaram conta da indústria de entretenimento. "Eu acho que se eles pudessem fazer filmes e séries sem nós, eles fariam, e assim tornariam o nosso trabalho cada vez mais mecânico e simples, com baixíssimo custo e sem arte", disse Verrone.

Os roteiristas pararam de trabalhar alegando que os estúdios não repassam ganhos obtidos com filmes e séries vendidos em DVD ou comercializados na internet. Os produtores dizem que os roteiristas estão pedindo uma fatia de um mercado que ainda não se tornou lucrativo e que por isso interrompem as negociações. Veja post anterior.

Com cinco semanas, a paralisação dos roteiristas já parece estar fadada a entrar em 2008 sem uma solução. Já se consideram como fatos dados que as temporadas de séries de sucesso como Two and a Half Men, Brothers and Sisters e Monk serão interrompidas temporariamente. Nos seus lugares, reprises e reality shows devem invadir as televisões dos norte-americanos depois do Ano Novo.

Os produtores consideram que todas as fórmulas de pagamento para os roteiristas sobre produtos de internet foram apresentadas e desconsideradas pela WGA. Segundo os produtores, não há como discutir ideologicamente com os roteiristas.

O que os produtores chamam de ideológico é o desejo dos roteiristas de estabelecer regras claras quanto a algumas questões financeiras: como um tipo de passe para quando projetos mudam de uma compania para outra; a eliminação da proibição para se organizar greves depois de acordos terem sido acertados entre estúdios e alguns roteiristas; e a separação clara em categorias dos roteiristas de TV, reality shows e cinema.

Os executivos de estúdios sabem que conceder essas mudanças de regra, mesmo que sem comprometer financeiramente os contratos, levará a uma mudança radical no poder da indústria do entretenimento.

Mas a principal alteração deve ficar por conta da indústria da televisão, que é muito mais sensível a uma parada como essa. Uma prática extremamente cara, mas comum nos Estados Unidos, é a dos conglomerados de TV produzirem quase metade de uma temporada de uma nova série com recursos próprios. E só depois disso apresentá-la para possíveis anunciantes. Como a indústria lá é muito bem azeitada, a coisa funciona. Mas sem poder produzir material novo, a prática deve ser alterada para alguma coisa mais parecida com o que acontece aqui no Brasil, em que o projeto só é tocado para diante depois do financiamento estar garantido.

O que é certo é que essa greve deve ainda se alongar muito em discussões financeiras e ideológicas.

Florian Henckel von Donnersmarck

2007-12-06T09:28:00.001-08:00

Para o ganhador do Oscar de melhor filme em língua estrangeira, Florian Henckel von Donnersmarck, o único modo de se fazer um filme que vai lançar a sua carreira é fazê-lo do seu próprio jeito. Nascido em 2 de maio de 1973, ele passou a infância entre a sua Alemanha natal e os Estados Unidos. Na adolescência, von Donnersmarck foi estudar filosofia na Universidade Oxford, na Inglaterra, e em São Petersburgo, na Rússia.

Depois desse tempo de estudos acadêmicos, ele voltou para a Alemanha e foi trabalhar como professor de direção na Academia de Cinema de Munique. Lá, von Donnersmarck dirigiu e produziu diversos curta-metragens, mas nenhum deles satisfez as suas expectativas criativas. Então em 2001, ele deixou a escola para trabalhar no seu longa-metragem, A Vida dos Outros.

Ambientado nos anos 1980 em Berlim Oriental, o filme conta a história de um agente secreto da Stasi que começa a se envolver emocional e eticamente com um casal que ele deve manter sob vigilância.

Todo o processo de criação do filme, do roteiro até a finalização, levou cinco anos. Finalmente em 2006, o filme foi lançado e recebeu uma tremenda recepção por parte da crítica internacional.

Sala escura (7, 8 e 9 de dezembro)

2007-12-06T04:55:00.000-08:00

Sugestões do Cinemais para o fim de semana nos cinemas.

A Vida dos Outros (Das Leben der Anderen, Donnersmarck, ALE, 06)
Ganhador do Oscar de melhor filme em língua estrangeira, esse drama é ambientado em Berlim Oriental no ano de 1984. O capitão Wiesler (Ulrich Muhe) é um dos melhores e mais dedicados funcionários da polícia secreta, a Stasi, que vigia toda a população da porção comunista de Berlim.Wiesler é encarregado de levantar informações contra um dramaturgo, porque o seu superior está interessado na esposa dele. Mas Wiesler nada consegue que desabone o artista. Um filme sobre lealdade, obediência e justeza moral. Preste atenção em como o diretor, mesmo em seu filme de estréia, consegue um equilíbrio perfeito entre o horror da tortura e o cômico de um Estado vigilante.

A Coragem de Amar (Le Courage d'aimer, Claude Leloch, França, 2005)
Do diretor Claude Leloch, que também assina Crimes de Autor, em cartaz em São Paulo, esse filme é o segundo de uma trilogia, que conta histórias entrelaçadas sobre a vida comum em Paris. Vale a pena ser visto pela sensibilidade de Leloch na fotografia plana do filme. Seus personagens soam naturais ao extremo, como se estivéssemos sentados num café assistindo à cena de um mendigo que se diz Deus vociferando do lado de fora.

Bee Movie - A história de uma abelha (Steve Hickner, EUA, 2007)
Mas recente animação feita pela Dreamworks, o filme conta a história de uma abelha que, saída da faculdade, se frustra com as perspectivas da carreira de produtor de mel. Depois de conhecer uma mulher humana, ele decide entrar com um processo contra todo o mundo. Uma ótima comédia sobre as frustrações da vida corporativa e sobre a mania norte-americana de resolver tudo nos tribunais. Uma pena os exibidores ainda pensarem que animação é coisa para crianças. Todas as cópias da pré-estréia são dubladas -- perdemos assim a voz original da abelha, Barry B. Benson, feita por Jerry Seinfeld, que também é um dos roteiristas.

Onde ver:

A Vida dos Outros

Cine IG, 1 - 14h - 16h30 - 19h - 21h30

Espaço Unibanco, 2 - 14h - 16h30 - 19h - 21h30
0h - sáb.

Frei Caneca Unibanco Arteplex, 2 - 13h20 - 16h - 18h40 - 21h20
0h - sáb.

HSBC Belas Artes, Cândido Portinari - 13h30 - 16h - 18h30 - 21h
23h30 - sáb.

Kinoplex Itaim, 5 - 15h - 17h50 - 20h40
23h20 - sex. e sáb.

Multiplex Bristol, 6 - 13h - 15h45 - 18h30 - 21h15
23h59 - sex. e sáb.

Reserva Cultural de Cinema, 1 - 16h10 - 18h50 - 21h30
0h - sáb.

Shopping Center Iguatemi, 1 - 13h - 15h45 - 18h30 - 21h15

Shopping Jardim Sul - UCI, 2 - 15h - 17h45 - 20h30
12h15 - sáb. e dom.
23h15 - sex. e sáb.

Shopping Market Place - Cinemark, 8 - 13h25 - 16h20 - 19h25 - 22h25

Shopping Villa-Lobos - Cinemark, 5 - 13h30 - 16h20 - 19h20 - 22h20

A Coragem de Amar

Cine Bombril, 2 - 14h - 16h - 20h - 22h

Cine Lumière, 1 - 113h - 15h10 - 17h20 - 19h30 - 21h40

Frei Caneca Unibanco Arteplex, 9 - 15h10 - 17h20 - 19h30 - 21h40
0h - sáb.

Bee Movie - A história de uma abelha

Moviecom Boa Vista, 3 - 15h15 sáb. e dom.
dublado

Shopping Anália Franco - UCI, 9 - 15h20 sáb. e dom.
dublado

Shopping Center Norte - Haway, 2 - 16h30 sáb e dom.
dublado

Shopping Interlagos - Cinemark, 10 - 15h05
dublado

Shopping Lar Center - Haway, 2 - 17h sáb. e dom.
dublado

Lynch quer uma garota com apenas uma perna

2007-12-03T16:35:00.000-08:00

Um amigo meu, quando eu estava começando a planejar esse blog, disse que gostaria de ler entrevistas com grandes realizadores do cinema. Algo que ele não encontra na imprensa cultural. Lembrei dele ao assistir ao documentário Lynch (Blackandwhite, EUA, 2007).

O filme desvenda cenas incríveis do trabalho de Lynch durante dois anos em que ele preparou e filmou seu mais recente filme Inland Empire (2006). O universo de Lynch é desvendado em momentos que recriam na realidade a fantasia dos seus filmes. Como na cena em que ele pede para que um assistente arrume "uma garota de 16 anos com apenas uma perna". O assistente não hesita em sair para dar alguns telefones para encontrar uma atriz que se encaixe na descrição.

O filme será um extra maravilhoso quando Inland Empire sair em DVD. No documentário, Lynch surge em seu ambiente natural como diretor e criador, gritando e xingando sua equipe, revendo e aprovando cenas, sentado durante minutos em um mutismo criativo.

Filmado parte em vídeo e parte em Super-8, o documentário não se restringe apenas aos bastidores das filmagens de Inland Empire. No filme, vemos um pouco da história pessoal de Lynch. Ele nasceu na cidade de Missoula, no Estado de Montana, em 1946. Mas esse pouco é bem pouco mesmo. Como eram os pais do cineasta? Como são as relações dele com a sua família? Quem ele ama? Quem ele odeia? Nada disso chega perto de ser respondido.

O que vemos em profusão é a relação de Lynch com os seus assistentes de filmagem. Quase todos eles são jovens e extremamente prestativos na tentativa de satisfazer cada um dos pedidos do gênio que pajeiam. Encontrar um macaco treinado para participar de uma cena, ouvir os relatos de Lynch sobre filmagens de clássicos como Mulholland Dr. (2001) ou Blue Velvet (1986) ou apenas ir correndo atrás de uma adolescente perneta, são as funções que Lynch determina para cada um deles.

O momento em que o documentário cresce é na terceira entrevista longa com Lynch. Nela, o diretor, que soma mais de quarenta anos de carreira, confessa que não tem certeza do que está fazendo no filme Inland Empire. Ele se mostra inseguro sobre a narrativa e o ritmo que está pensando em dar ao filme. Pode soar estranho um dos mestres do cinema atual ser revelado em um momento de fraqueza criativa, de dúvida sobre as suas escolhas estéticas. Mas, no final, é sobre isso que Lynch, o documentário, versa. Sobre a luta incrível do criador contra seus próprios demônios, sua luta intestina pela criação.

O diretor do documentário é mais um mistério à la Lynch. Nos créditos, lê-se apenas "Blackandwhite". Nada mais é possível descobrir sobre ele na internet.

A produção do documentário foi seguida em um blog, que ainda está no ar com alguns detalhes e notas interessantes. Como as anotações em folhas de papel para guiar as entrevistas do diretor com o cineasta.

Em última análise, Lynch é um documentário expositivo, não é em momento algum questionador. Nós vemos uma "biografia autorizada". Nós não temos dúvidas a respeito do cineasta esclarecidas, nós apenas ouvimos mais um história contada por David Lynch.

O dilema entre livros e filmes

2007-11-30T05:52:00.003-08:00

Sou apaixonado, assim como tu, por literatura e cinema. Por isso achei ótimo o artigo a respeito publicado no New York Times, por Rachel Donadio, escritora e editora. A ele:

Chegou a temporada dos concorrentes ao Oscar e os multiplexes estão lotados de adaptações literárias, inclusive as versões dos Irmãos Coen para "No Country for Old Men", de Cormac McCarthy, e de Mike Newell para "Amor no Tempo do Cólera", de Gabriel García Márquez. Ainda para este ano, estão programados os lançamentos de "Atonement", de Ian McEwan, "The Golden Compass", de Philip Pullman e "Persepolis", de Marjane Satrapi.

Escritores de livros têm rumado para o Oeste em busca de fama e fortuna desde os tempos de Hemingway e Fitzgerald e livros têm há muito inspirado filmes. Mas atualmente, algumas editoras estão indo diretamente para a indústria do cinema. No mês passado, HarperCollins, uma divisão da News Corp., anunciou uma parceria com a Sharp Independent para produzir filmes baseados nos livros lançados pela HarperCollins. Ao mesmo tempo, a Random House Inc. se uniu à Focus Features para co-produzir entre dois e três filmes por ano baseados em alguns de seus livros de ficção ou não-ficção. A primeira colaboração desse tipo foi o filme "Reservation Road", em cartaz nos Estados Unidos, dirigido por Terry George e baseado no romance que John Burnham Schwartz lançou em 1998.

Essas parcerias dão às editoras uma participação maior no negócio do que os tradicionais acordos de cessão de direitos, que normalmente dão a elas pouco mais do que publicidade para o lançamento conjunto de livro e filme. Agora, Random House e HarperCollins vão receber uma porção das bilheterias, além de lucros sobre DVDs e transmissão para TV e outras mídias. E os escritores vão ganhar mais poder na escolha de roteiristas, atores e diretores.

Alguns estão preocupados que esta relação cada vez mais íntima entre Hollywood e as editoras possa estar mudando as expectativas de sucesso literário - e mesmo alterando a forma como os escritores encaram o seu trabalho. Atualmente, "muitos escritores acham que seus livros não valem nada a não ser que se transformem em filmes", disse Annie Proulx em junho no Festival Literário de Capri, ao falar sobre a experiência de ter o seu conto "Brokeback Mountain" adaptado para as telas. "Eu acho que as pessoas estão escrevendo livros com um olho voltado para os cinemas", ela disse, uma evolução que ela considera "desinspirante". Mas entrevistas com diversos romancistas que trabalharam com Hollywood sugerem que a situação pode ser mais complicada e que o processo pode não ter apenas lhes dado um salário mais gordo, mas pode ter contribuído com algumas idéias a respeito de como contar suas histórias.

Romancistas e a indústria do cinema não foram sempre tão amigáveis. "Na primeira vez que eu fui a Hollywood, eu tive a sensação de que seria melhor eu não dizer que era um romancista", conta John Sayles, que publicou histórias em The Atlantic Monthly e escreveu o romance "Union Dues", que foi indicado para o National Book Award de 1978 antes de se tornar um roteirista e diretor. Além de dirigir seus próprios roteiros para filmes como "Matewan", "Lone Star" e "Honeydripper", a ser lançado em dezembro, ele escreveu cerca de 40 roteiros para outros diretores. O estúdios, Sayles aprendeu rapidamente, vêem os romancistas como "aqueles caras que reclamam depois do filme estar pronto ou que nos fazem gastar US$ 100 mil para escrever o primeiro rascunho do roteiro antes que a gente passe para um profissional que vai cuidar dele". Muitos romancistas, ele diz, "apenas pegam o dinheiro e fogem ou pegam o dinheiro e reclamam".

Atualmente, afirma Sayles, escrever ficção para ele virou apenas um "hobby", assim como um espaço para experimentação. Um romance permite muitos e diferentes pontos de vista, ele notou, enquanto num filme, há basicamente apenas três: o omnisciente ("a tomada da casa pelo lado de fora à noite"); o do protagonista ("de dentro do closet enquanto a serra elétrica corta a porta"); e do antagonista ("através da máscara de hockey"). E romances podem expandir exatamente onde filmes precisam comprimir. Agora, Sayles está escrevendo um livro que começou como um roteiro - até que ele percebeu que nunca conseguiria juntar o dinheiro necessário para produzir algo que se passa nas Filipinas durante a Guerra Hispano-americana.

Outros romancistas dizem que o trabalho para filmes deu a eles diferentes noções de possibilidades narrativas. Schwartz, que escreveu o roteiro para "Reservation Road", diz que escrever para cinema teve um efeito "desinibidor" sobre a sua ficção, inspirando ele a cortar entre cenas de uma forma "mais agressiva". Michael Ondaatje, cujo romance "The English Patient" se tornou um filme ganhador de Oscar, diz que sua própria experiência em diversos projetos de documentários lhe ensinaram sobre o poder de decisões aparentemente pequenas. "Eu reconheço quanto intrincada e microscópica é a arte de edição", afirma ele. "Você corta algo que é um vigésimo de um frame e você faz uma enorme diferença no andamendo."

Diane Johnson, cujos romances incluem "Le Divorce" e "Le Mariage", diz que o trabalho para escrever roteiros deu a ela uma noção mais forte de estrutura. Stanley Kubrick, que a contratou para escrever o script baseado no romance "The Shining", de Stephen King, era um criador de situações elaboradas. A insistência dele em "criar um estrutura antes de passar para os detalhes de uma cena combinou muito bem com o trabalho de escrever romances", ela disse. "Eu não sei ao certo se ser uma romancista ajuda no trabalho de roteirista", ela acrescenta. "Eu acho que é mais no sentido oposto."

Um contrato para um filme também ajudou a carreira de Tom Perrotta como romancista, mesmo que não do jeito que alguns detratores podem imaginar. Quando seu romance "Election" foi publicado em 1998, ele disse, "eu tive uma porção de críticas afirmando que 'ele escreveu isso para virar um filme'", uma idéia que ele considera "risível". Na verdade, ele havia escrito o livro anos antes, mas ele ficou dentro de uma gaveta até que alguém o colocou em contato com um produtor de cinema, que mostrou os originais para o diretor Alexander Payne, que comprou os direitos para filmar a história, que garantiu então a publicação do livro. Desde então, ele não tem problemas para publicar os seus romances - ou filmá-los. Ele foi o co-roteirista para o filme baseado em seu romance "Little Children" e também foi contratado para escrever a versão em roteiro do seu novo romance "The Abstinence Teacher". "Escrever roteiros", ele diz, "tem o efeito paradoxal de fazer de mim um escritor mais literário, muito mais consciente do que eu posso fazer em um romance e não posso fazer em um roteiro".

Alguns escritores, porém, insistem que ter seus romances transformados em filmes não teve influência nenhuma em seus modos de escrever. "Meu trabalho é bem resistente a ser filmado e se a indústria cinematográfica se preocupar em tentar, está ótimo para mim e indica uma certa fortitude da parte deles", diz Rick Moody, cujo romance "The Ice Storm" foi adaptado por Ang Lee. "Mas eu não penso sobre o cinema quando estou compondo romances ou contos." Mesmo que ele estivesse em contato com o diretor e produtor durante as filmagens, Moody disse que ele tentava seguir o conselho de Hemingway, que ele resume assim: "Dirija até a fronteira da Califórnia, jogue o seu livro sobre a cerca. Quando eles jogarem o dinheiro de volta, você dirige de volta para casa".

Chuck Palahniuk também diz que está feliz apenas em sentar nos fundos da sala enquanto os diretores fazem o trabalho deles. Palahniuk trabalhava como mecânico quando o seu romance de 1996 "Fight Club" foi transformado em filme pelo diretor David Fincher. "Eu apenas larguei meu emprego... por que meu telefone não parava de tocar e não podia mais trabalhar", ele contou em um e-mail. "No dia que 'Fight Club' começou a ser filmado, meu agente me mandou uma dúzia de rosas para a garagem onde eu trabalhava - isso mudou um pouco a forma como os outros mecânicos me olhavam." Em agosto, ele viajou para Nova York para acompanhar Clark Gregg nas filmagens de seu romance "Choke". "É interessante assistir às interpretações", Palahniuk disse. "Além disso, eu como o meu peso em lanches de set e me deleito durante as cenas de nus."

Em um artigo recente para Nextbook.org, Bruce Jay Friedman consolidou o que pode ser a atitude mais saudável em relação à experiência de escrever para livros ou filmes. Ele adorou "The Heartbreak Kid", adaptação feita por Neil Simon e Elaine May em 1972 para o seu conto "A Change of Plan", sobre um homem que se apaixona por outra mulher durante a lua-de-mel. "Existe pouca coisa que eu possa fazer", escreveu Friedman, "além de assistir ao filme, aceitar os elogios por tudo aquilo que for legal e negar qualquer envolvimento naquilo que não for."

Primeiro Kurosawa legítimo aparece em DVD

2007-11-28T05:06:00.000-08:00

Yoidore Tenshi (Drunken Angel, Akira Kurosawa, Japão, 1948) não é o primeiro filme de Akira Kurosawa, mas certamente foi o primeiro a levar para as telas aquilo que ficou característico na obra do cineasta japonês: grande fotografia, ótimas atuações e uma ambientação com diversas referências mitológicas e autobiográficas.

Não por acaso, é também a primeira colaboração entre Kurosawa e o ator Toshirô Mifune, que seria repetida em outras obras-primas como Os Sete Samurais e Yojimbo.

Mifune foi um ator de maneirismos e de personalidade única nas suas interpretações. Sempre dando a seus personagens temperamentos fortes e físicos, nesse filme, ainda jovem, ele já mostrava o que poderia fazer nas películas posteriores.

Aqui, Mifune interpreta um jovem magrinho que ingressa na Yakuza (a máfia japonesa). O ambiente do filme -- e por isso é um Kurosawa característico -- é um favela que tem bem no seu centro um simbólico lago de águas pútridas. Esse mafioso, depois de uma luta, vai até um médico alcoólatra, interpretado por Takashi Shimura, que diagnostica um avançado estado de tuberculose, que precisa ser tratado imediatamente. Algo a que o personagem de Mifune se recusa a fazer. Os dois personagens têm uma relação de pai e filho que percorrerá quase toda a obra do diretor.

Nesse filme, Kurosawa mistura dois gêneros bem característicos: o filme noir, que estava em moda na mesma época em Hollywood, com seus ambientes claustrofóbicos e sombrios; e os dramas urbanos de crítica social, que haviam ocupado a indústria norte-americana duas décadas antes, em que reformas sociais e políticas são declaradamente pedidas pelo diretor ativista.

Esse filme está agora disponível para o grande público em DVD da Criterion Collection.

Preste atenção na cena de grande plasticidade em que o personagem de Mifune e o seu ex-patrão mafioso lutam com facas e acabam caindo em uma piscina de tinta branca.

O melhor roteiro de Hollywwod faz 65 anos

2007-11-26T11:39:00.000-08:00

Há 65 anos, era finalizado para filmagem a obra-prima assinada por Julius J. Epstein, Philip G. Epstein e Howard Koch. A qualidade fundamental da obra, que pode ser lida como libelo político, filme romântico ou épico pessoal, é o que faz ela sobreviver com o mesmo vigor até hoje.

Casablanca (Michael Curtis, EUA/França/Alemanha, 1942) foi eleito o melhor roteiro pelo Instituto Americano de Cinema e ocupa essa posição até hoje seguido por The Godfather (O Poderoso Chefão, 1972).

O filme conta a história de um microcosmos formado pela situação criada pela Alemanha nazista no norte da África. Na cidade de Casablanca, no então protetorado francês do Marrocos, muitos refugiados da Europa esperavam permissões para voar até Portugal e dali partir para a "Terra Prometida", que eram os Estados Unidos.

Nesse ambiente político, o roteiro usa as nacionalidades dos personagens para fazer a sua crítica e construir o ambiente. Os refuagiados ali são todos da Europa Central, contrários ao regime nacional-socialista de Berlim; os franceses aparecem como personagens ambivalentes, cúmplices dos alemães, mas não inteiramente alinhados com esses; os vilões são os alemães e os italianos.

Humphrey Bogart vive Rick, um ex-combatente da Guerra Civil Espanhola que virou um cínico dono de boate. Durante o filme, ele evolui de uma indiferença à situação de caos reinante até uma implicação total no conflito. Essa evolução é uma alegoria ao papel que os Estados Unidos deviam ter na Segunda Guerra Mundial, se abandonasse o isolamento.

Casablanca era para ser originalmente uma peça de teatro. Mas em 8 de dezembro de 1941, dia seguinte ao ataque japonês a Pearl Harbor, os roteiristas mandaram uma primeira versão para cinema para os estúdios Warner. Como a procura por filmes patrióticos estava grande, foi logo aceito.

O informe elaborado pelo governo americano sobre o projeto de Casablanca afirmava, entre outras coisas, que: "o filme pode nos ajudar a ganhar a guerra, pois mostra os Estados Unidos como um refúgio para os oprimidos"; "mostra que o desejo pessoal deve ser subordinado ao objetivo de derrotar o fascismo"; e, "Rick é um personagem que lutou com as forças leais na Espanha, o que ajudará o público norte-americano a entender que a nossa luta não teve início em Pearl Harbor".

É estimado que mais de 2 mil filmes com aspectos mais ou menos propagandísticos foram realizados nos anos de guerra. Mas Casablanca é único por não ser propriamente uma história de guerra nem de espionagem e possuir diversas qualidades ímpares na fotografia e nos diálogos, em especial.

Um dos pontos mais incríveis de Casablanca é a qualidade dos personagens secundários, geralmente elementos mais rasos dentro de um roteiro. Nesse filme, eles são fundamentais. E essa qualidade se deve às interpretações. Muitos dos atores secundários eram alemães ou com origem em países ocupados pelo Terceiro Reich, que havia fugido por serem judeos, homossexuais, contrários ao regime, ou combinações entre essas causas.

Alguns tiveram que fazer papéis de nazistas como Conrad Veidt, que faz o major Strasser.

No meio de todo esse quadro político, os irmãos Julius e Philip Epstein carregaram a mão mais no triângulo amoroso formado por Rick, por sua amante Ilsa (Ingrid Bergman) e pelo marido dela e líder da resistência na Tchecoslováquia, Victor Lazslo (Paul Henreid). E é dessa história de amor que se alimenta a fama do filme até os dias de hoje. Afinal, como escreveu o crítico Apollo Guide, Casablanca é um filme para todos aqueles que perderam um amor".

Sala escura (23, 24 e 25 de novembro)

2007-11-22T08:23:00.001-08:00

Sugestões do Cinemais para o fim de semana.

Planeta Terror (Planet Terror, Robert Rodríguez, EUA, 2007)
Um acidente com um projeto do governo contamina uma cidade inteira, transformando a população em zumbis. Nesse ambiente de caos, surge um grupo rebelde, formado entre outros por um xerife, uma stripper que não tem a perna direita e o seu ex-namorado. Esse é também o ambiente criado por Robert Rodríguez para exercitar sua criatividade ciber-punk de violência .

Crimes de Autor (Roman de Gare, Claude Lelouch, França, 2007)

Viajando por uma estrada para apresentar o noivo aos pais, uma cabeleireira é abandonada pelo seu ele, que some com o carro, todo o dinheiro a bolsa dela. Mas isso não tira a esperança dela de que ele voltará para encontrá-la. Um homem misterioso que acompanha a história concorda em se passar pelo noivo para evitar a humilhação dela diante dos pais. Em Paris, as rádios falam do desaparecimento de um pedófilo. O filme participou da seleção para o Festival de Cannes de 2007.

A Loja Mágica de Brinquedos (Mr. Magorium's Wonder Emporium, Zach Helm, EUA, 2007)

Muito parecido com o clássico A Fantástica Fábrica de Chocolates, esse filme conversa melhor com crianças ou adultos de espírito lúdico. Dustin Hoffman interpreta o Sr. Magorium de 243 anos de idade, dono da loja de brinquedos que decide se aposentar. Natalie Portman vive a gerente que pode assumir o comando da loja. Uma fábula interessante sobre morte e espírito livre. Vale levar as crianças.

Onde ver:

Planeta Terror

Cine Bombril, 2 - 22h

Frei Caneca Unibanco Arteplex, 4 - 17h

Gemini, 1 - 14h30 - 21h

Moviecom Boa Vista, 5 - 21h30
15h - sáb. e dom.

Multiplex Bristol, 3 - 21h05
23h30 - sex. e sáb.

Raposo Shopping, 4 - 19h - 21h30

Shopping Anália Franco - UCI, 5 - 21h30
23h45 - sex. e sáb.

Shopping Jardim Sul - UCI, 5 - 14h45 - 19h15
23h45 - sex. e sáb.

Shopping Leste Aricanduva - Cinemark, 7 - 18h50
23h45 - sex. e sáb.

Shopping Morumbi - Cine Tam, Nova York - 22h

Shopping SP Market - Cinemark, 11 - 22h20

Shopping Santa Cruz - Cinemark, 4 - 21h30 (exceto sáb.)
0h - sex. e sáb.

Crimes de Autor

Cine Bombril, 2 - 14h - 16h

Cine Lumière, 1 - 12h50 - 15h - 17h10 - 19h20 - 21h30

Espaço Unibanco, 2 - 16h - 20h

Frei Caneca Unibanco Arteplex, 7 - 13h - 15h - 19h40 - 21h50

Reserva Cultural de Cinema, 4 - 13h10 - 15h10 - 17h10 - 19h10 - 21h10

Shopping Market Place - Playarte, 3 - 12h50 - 15h - 17h10 - 19h20

A Loja Mágica de Brinquedos

Centerplex Lapa, 2 - 16h30 - 18h35 - 20h40
dublado

Cinemark Boulevard Tatuapé, 3 - 13h20 - 15h30 - 17h40 - 19h50 - 22h
0h10 - sex. e sáb.
dublado

Eldorado, 8 - 13h40 - 15h50 - 18h - 20h10 - 22h20
dublado

Frei Caneca Unibanco Arteplex, 6 - 13h - 15h - 17h - 19h

Kinoplex Itaim, 2 - 14h40 - 16h50 - 19h - 21h10
23h10 - sex. e sáb.

Moviecom BoaVista, 2 - 17h10 - 19h15 - 21h10
15h15 - sáb e dom.
dublado

Multiplex Bristol, 4 - 13h20 - 15h20 - 17h20 - 19h20 - 21h20
23h20 - sex. e sáb.

Multiplex Plaza Sul, 2 - 13h10 - 15h10 - 17h10 - 19h10 - 21h10
dublado

Shopping Anália Franco - UCI, 1 - 14h30 - 16h30 - 18h30 - 20h30 - 22h30
12h30 - sáb. e dom.
dublado

Shopping Anália Franco - UCI, 7 - 13h - 15h10 - 17h10 - 19h15 - 21h20
23h25 - sex. e sáb.
dublado

Shopping Butantã, 1 - 13h15 - 15h15 - 17h15 - 19h15 - 21h15
dublado

Shopping Center Iguatemi, 1 - 13h - 15h - 17h - 19h - 21h

Shopping Center Iguatemi - Cinemark, 5 - 13h20 - 15h30 - 17h40 - 20h
dublado

Shopping Center Norte - Cinemark, 1 - 13h25 - 15h35 - 17h45
dublado

Shopping Center Penha - Moviecom, 7 - 17h10 - 19h15 - 21h10
15h - sáb e dom.
dublado

Shopping Central Plaza - Cinemark, 10 - 14h40 - 16h50 - 19h - 21h20
23h35 - sex. e sáb.
dublado

Shopping Continental, 2 - 13h30 - 15h30 - 17h30 - 19h30 - 21h30
dublado

Shopping D, 4 - 13h - 15h10 - 17h20 - 19h30 - 21h40
0h - sex. e sáb.
dublado

Shopping Interlagos - Cinemark, 3 - 14h40 - 17h05 - 19h25 - 21h50
dublado

Shopping Interlagos - Cinemark, 4 - 14h40 - 17h05 - 19h25
dublado

Shopping Jardim Sul - UCI, 9 - 14h05 - 16h10 - 18h15 - 20h50 - 22h25
12h - sáb. e dom.
dublado

Shopping Leste Aricanduva - Cinemark, 6 - 15h45 - 18h - 20h15
dublado

Shopping Leste Aricanduva - Cinemark, 10 - 14h40 - 17h05 - 19h25 - 21h50
0h10 - sex. e sáb.
dublado

Shopping Market Place - Cinemark, 2 - 13h40 - 15h50 - 18h - 20h10 - 22h20
0h30 - sex. e sáb.
dublado

Shopping Metrô Tatuapé - Cinemark, 1 - 13h15 - 15h30 - 17h40 - 20h - 22h10
0h25 - sex. e sáb.
dublado

Shopping Morumbi - Cine Tam, Paris - 13h - 15h - 17h - 19h - 21h
23h - sáb.

Shopping Pátio Higienópolis - Cinemark, 5 - 14h - 16h10 - 18h20 - 20h30
dublado

Shopping SP Market - Cinemark, 3 - 14h40 - 17h05 - 19h25 - 21h50
0h10 - sex. e sáb.
dublado

Shopping Santa Cruz - Cinemark, 10 - 13h10 - 15h30 - 17h50 - 20h10 - 22h20
0h30 - sex. e sáb.
dublado

Shopping Villa-Lobos - Cinemark, 1 - 12h40 - 14h50 - 17h10 - 19h30 - 21h40
23h50 - sex. e sáb.
dublado

Sidney Lumet: o retratista do espírito de NYC

2007-11-21T05:06:00.000-08:00

Sidney Lumet está com 83 anos. E lança mais um filme, ao mesmo tempo que prepara outro programado para sair em 2009. Mais um filme que se passa em Nova York.

Lumet, para mim (e essa é uma opinião bastante contraditória), é o grande cineasta a representar Nova York. Ele não tem a devoção escancarada de Woody Allen nem a simbiose de Martin Scorsese. Mas Lumet conseguiu durante os anos imprimir em seus filmes as auras que circundavam a cidade em diferentes épocas.

Quem pode deixar de se emocionar com as cenas de abertura de Dog Day Afternoon ("Um Dia de Cão", 1975). As imagens do cotidiano das pessoas do Brooklyn, dormindo na rua, lavando calçadas, saindo do supermercado, são emblemáticas dos anos 70. E a reação do povo ao apoiar o assaltante de banco Sonny, vivido por Al Pacino, é muito representativa daqueles anos de luta para liberdade de expressão e contra o poder instituído.

No seu novo filme, Before the Devil knows You're Dead (2007, roteiro de Kelly Masterson), Lumet está de volta a Nova York. Mais especificamente ao distrito de compra e venda de diamantes de Manhattan. E ele coloca nesse cenário um história de destruição e fatalismo.

A inveja, a ganância e o ciúmes corroem as relações humanas entre membros de uma mesma família até que o patriarca chega à sua conclusão cabal: "O mundo é um lugar mau".

O demônio do título não cabe em grandes monstros ou acontecimentos terríficos. Ele está simplesmente escondido, camuflado, nos pecadilhos que todos cometemos diariamente, movidos por ganância, pressa, desejo ou cobiça. Na história de Masterson, isso termina em assassinato.

E é esse assassinato que será o ponto focal da narrativa do filme. Lumet volta a ele diversas vezes para contar as implicações do crime na vida de diversos personagens.

Os assaltantes são Andy and Hank Hanson (Philip Seymour Hoffman e Ethan Hawke), que decidem roubar a joalheria do pai. Acabam matando um amigo e ferindo a própria mãe.

O grande diretor é aquele que deixa os atores construirem seus personagens. E é exatamente isso que Lumet costura. Tanto Seymour Hoffman quanto Hawke não têm grandes linhas de diálogos nem vão a psicólogos falar de seus problemas, mas no final do filme, todos conhecemos os dois por dentro e por fora através de suas atuações.

Como em Dog Day Afternoon, Before the Devil Knows You're Dead carrega a cidade em cada seqüência. Há uma atmosfera da Nova York dos anos 2000 nas ruas de Manhattan, nas roupas e atitudes dos personagens e na maneira de se fazer negócios.

E o Lumet claustrofóbico de sempre, com suas situações aparentemente sem saída e catastróficas, segue ditando o ritmo desse filme cheio de zigue-zagues e elipses, mas que conta com perfeição uma história universal.

Preste atenção: nas atuações de Seymour Hoffman, principalmente nas cenas em close-up.

Pequena gafe: como todos os bandidos norte-americanos, os irmãos pensam em fugir para o Rio de Janeiro. A esposa de Andy, Gina (Marisa Tomei), lembra o marido de que não há acordo de extradição de criminosos entre os Estados Unidos e o Brasil. Não é verdade, mas não compromete o enredo.

Eisner, ex-Disney, critica greve de roteiristas

2007-11-19T05:58:00.001-08:00

O ex-CEO da Disney Michael Eisner falou para The New York Times sobre o futuro que ele enxerga para o entretenimento digital e os problemas com a greve declarada pelos roteiristas de cinema e televisão dos Estados Unidos, que querem uma maior participação nos lucros dos produtos lançados na internet.

Pergunta - Como ex-CEO da Disney e fundador de uma empresa para investir no futuro do entretenimento digital, o senhor falou em uma conferência recente para investidores onde chamou a greve dos roteiritas de "estúpida" e "insana". O senhor poderia explicar essas declarações?

Michael Eisner - Eu estava me referindo mais ao momento em que a greve foi lançada. É uma bobagem fazer uma greve numa área de negócios que ainda não está suficientemente evoluída nem mesmo para sabermos se haverá negócios nessa área no futuro.

Pergunta - Mas as redes de televisão já não estão tendo lucros a partir de programas que são exibidos na internet? Não é exatamente por uma parte desses lucros que os roteiristas estão brigando?

Eisner - Não. As áreas que estão dando dinheiro para as televisões são aquelas que eu gosto de chamar de "reusadas" -- os filmes para download ou as séries de TV para download. Sobre essas áreas, os produtores já concordaram em fazer um acordo com a Writers Guild of America (o sindicato dos roteiristas). A área em que não pode haver negociação ainda é a de produções originais para a internet, que ainda não é lucrativa nem se sabe em que direção está indo.

Pergunta - Mas existe um grande bolo de rendimentos aí.

Eisner - Mas não um bolo de lucros.

Pergunta - Então o que o senhor está dizendo é que não há nenhuma migalha para os roteiristas nesse momento?

Eisner - Não é uma questão sobre os roteiristas. Do jeito que você coloca parece que há alguma hostilidade nessa questão. Ainda não existem migalhas para ninguém. Os programas que eu fiz para "Prom Queen" custaram cerca de US$ 3.000,00 cada 90 segundos. Nós ainda não tivemos uma sacudida no mercado capaz de fazê-lo se tornar lucrativo.

Pergunta - O senhor está se referindo a uma série nova que o senhor fez expressamente para a internet. Como está o projeto "Prom Queen"?

Eisner - Vuguru é a produtora que fez "Prom Queen" e "Prom Queen: Summer Heat", que é a seqüência. A primeira temporada fez alguns milhares de dólares. A segunda deu prejuízo.

Pergunta - Que tipo de nome é esse: Vuguru? Para mim soa como o nome de uma droga, como Vioxx ou Viagra.

Eisner - Se o nome lembra você de algo que cria força, eu acho que está OK. Em francês, "vous" é a segunda pessoa do plural. Vuguru - você é o guru da audiência. É apenas uma palavra criada.

Pergunta - No mês passado, o senhor investiu US$ 385 milhões para comprar a Topps, que fabrica o chiclete Bazooka e cartões de beisebol.

Eisner - Topps é uma marca que está presente na lembrança de todos os homens americanos com menos de 70 anos. Eu posso partir dessa marca e criar uma empresa de mídia esportiva. A Topps tem muitas marcas relacionadas a ela. A própria Bazooka tem o Bazooka Joe. Eu poderia me divertir muito fazendo um filme com o Bazooka Joe, por exemplo.

Pergunta - O senhor acredita que a corrida presidencial do ano que vem está se tornando uma subdivisão da indústria do entretenimento?

Eisner - Eu não acredito, não. Essa visão diminui o nosso sistema político.

Pergunta - O senhor já sabe quem vai apoiar nessa campanha?

Eisner - Eu realmente não tenho muitas opiniões políticas que possam engrandecer as páginas de The New York Times.

Sala escura (15, 16, 17 e 18 de novembro)

2007-11-14T09:02:00.000-08:00

Mais um feriado longo. Para quem ficar em São Paulo, essas são as sugestões de Cinemais.

O Passado ("El Pasado", Hector Babenco, Argentina/Brasil, 2007)

Primeiro filme do diretor argentino depois de Carandiru, esse quase autobiográfico filme sobre um jovem tradutor (Gael Garcia Bernal) que se vê pressionado pela ex-mulher em um jogo de chantagem em que as memórias do passado em comum dos dois têm um papel fundamental. Como brinde, o filme trás a última atuação de Paulo Autran no cinema. Ler a crítica do Cinemais.

Um verão para toda a vida (December Boys, Rod Hardy, Austrália/Inglaterra/EUA, 2007)

Quatro órfão vivem como irmão no orfanato de um convento no deserto australiano. De presente de aniversário (todos completam anos em dezembro), eles ganham do padre superior uma viagem até uma cidade do litoral. Na cidade, eles conhecem um casal infértil que pensa em adotar uma criança. Uma disputa entre eles surge para ser o escolhido. Ao mesmo tempo, o mais velho deles, sabendo que não deve ser adotado por causa de sua idade, conhece o primeiro amor. O diretor Rod Hardy, que fez The X Files ("Arquivo X", 1993), adapta essa história do romance de Michael Noonan.

Crimes de Autor (Roman de Gare, Claude Lelouch, França, 2007)

Viajando por uma estrada para apresentar o noivo aos pais, uma cabeleireira é abandonada pelo seu ele, que some com o carro, todo o dinheiro a bolsa dela. Mas isso não tira a esperança dela de que ele voltará para encontrá-la. Um homem misterioso que acompanha a história concorda em se passar pelo noivo para evitar a humilhação dela diante dos pais. Em Paris, as rádios falam do desaparecimento de um pedófilo. O filme participou da seleção para o Festival de Cannes de 2007.

Onde ver:

O Passado

Cinemark Boulevard Tatuapé, 2 - 21h50
0h20 - sex. e sáb.

Eldorado, 6 - 12h40 - 15h10 - 17h40 - 20h05 - 22h35

Frei Caneca Unibanco Arteplex, 7 - 14h10 - 16h4 - 19h10 - 21h40

HSBC Belas Artes, Villa-Lobos - 14h - 16h20 - 18h40 - 21h

Kinoplex Itaim, 1 - 15h40 - 18h20 - 20h50

Multiplex Bristol, 3 - 13h30 - 16h - 18h30 - 21h
23h45 - sex. e sáb.

Multiplex Bristol, 5 - 16h30
21h30 - qui.

Multiplex Bristol, 6 - 13h30 - 16h - 18h30
21h - ter.

Reserva Cultural de Cinema, 2 - 14h - 16h20 - 18h40 - 21h

Shopping Center Iguatemi - Cinemark, 2 - 15h - 17h25 - 19h50 - 22h20
12h20 - sáb. e dom.

Shopping D, 9 - 13h05 - 15h40

Shopping Market Place - Cinemark, 5 - 15h

Shopping Pátio Higienópolis - Cinemark, 4 - 15h - 17h40 - 20h20
12h30 - sáb. e dom.
23h - sex. e sáb

Shopping Santa Cruz - Cinemark, 8 - 22h
0h30 - sex. e sáb.

Um verão para toda a vida

Frei Caneca Unibanco Arteplex, 4 - 17h30

Multiplex Bristol, 7 - 13h10 - 15h20

Shopping Jardim Sul - UCI, 8 - 19h20 - 21h35 - 23h50

Shopping Market Place - Palyarte, 3 - 16h - 16h30

Shopping SP Market - Cinemark, 3 - 22h30

Crimes de Autor

Frei Caneca Unibanco Arteplex, 9 - 0h - pré-estréia sáb.

Béla Tarr, tateando os limites

2007-11-14T04:50:00.001-08:00

Há alguns dias, publiquei no Cinemais uma entrevista com Gus Van Sant na qual o cineasta norte-americano falava de suas influências e inspirações. Em dado momento da entrevista, ele diz que considera Béla Tarr "um dos verdadeiros visionários trabalhando atualmente com cinema". E eu nunca havia ouvido falar de Béla Tarr.

Fui atrás de informações sobre o cineasta húngaro para tentar diminuir levemente a incrível ignorância em que vivo imerso.

Fiquei razoavelmente consolado ao descobrir que a ignorância não se resumia apenas a mim. Mesmo produzindo desde 1971, Tarr é um desconhecido mesmo na sua Europa natal. Até 1991, os seus filmes estavam restritos ao público japonês (?). Único lugar onde foram lançados DVDs com a obra de Tarr. Filmes húngaros com legendas em japonês não são os produtos culturais mais acessíveis que tu podes imaginar?

Mas quem é Béla Tarr? É um cineasta realmente inovativo que criou uma reputação internacional ao ganhar diversos festivais europeus (Berlim, Cannes, Locarno, Mannheim-Heidelberg) com uma trilogia de filmes inspirados: Kárhozat ("Danação",1989), Sátántangó ("Tango de Satã", 1994) e Werckmeister harmóniák ("A Harmonia Werckmeister", 2000). Acima está a seqüência inicial de Sátántangó, que mereceu a menção de Van Sant.

Tarr é um diretor que desafia radicalmente as formalidades do cinema, o que o torna totalmente inapropriado para ser exibido no Cinemark do shopping center. Sátántangó, seu filme mais mencionado, tem mais de sete horas de duração, com uma narração não linear e, apesar disso, uma história totalmente compreensível.

Tarr começou cedo a fazer filmes. Aos 22 anos de idade, lançou o documentário Családi tűzfészek ("Family Nest", 1977). Na época, todo o grande cinema húngaro era baseado em um formato conhecido hoje como "docudrama" -- documentários com elementos de ficção. Tarr trabalhou com os grandes diretores do seu tempo na Hungria. A idéia geral desses documentários era usar atores não-profissionais com diálogos improvisados e câmeras nervosas, mas seguindo um roteiro pré-definido.

Esse trabalho iniciou o interesse de Tarr pela busca dos limites do formalismo no cinema. Ele trabalhou numa adaptação para a TV de Macbeth (1980). O resultado é extremamente experimental: uma peça com duas tomadas, uma de cinco minutos seguidos pelos créditos, e outra de 67 minutos ininterruptos. Com close-ups constantes e sem espaço entre acontecimentos e a leitura do poema de Shakespeare, o filme alcança uma dramaticidade teatral incomum.

A primeira parte de Sátántangó se passa em antecipação à chegada de Irimias, que juntamente com seu aluno romeno, Petrina, está indo para o vilarejo que vemos nas cenas acima. Mas nos dias anteriores, toda a vila foi percorrida por boatos de que o viajante estaria morto.

Quando ele finalmente chega, e nós não sabemos o propósito dessa viagem, o efeito é o da chegada de um Messias às avessas. Em pouco tempo, Irimias rouba da população todo o seu dinheiro, por meio de pequenos golpes, e destrói todas as esperanças que trazia para o povoado.

O filme ganha ares de libelo ao pensarmos que o vilarejo bucólico é a Hungria comunista da infância de Tarr e a chegada do Messias e suas trapaças, uma alegoria às promessas de riqueza não cumpridas do capitalismo.

A câmera de Tarr participa intensamente do filme. Ela é lenta e se move constantemente em balanços e subidas e descidas indo de uma cena para outra sem cortes de montagem. O que seria levado ao extremo por Aleksandr Sokurov, em Russkiy kovsheg ("Arca Russa", 2002).

Tarr segue produzindo continuamente. Neste ano, ele lançou Londoni férfi ("The Man From London", 2007), que foi muito bem recebido no circuito cultural europeu, ganhando uma mostra no London's National Film Theatre.

Esperamos o lançamento da obra de Béla Tarr nesses trópicos ainda tão imersos no desconhecimento dos grande realizadores de arte mundiais.

Manda Bala (Jason Kohn, Brasil/EUA, 2007)

2007-11-13T06:38:00.001-08:00

Sapos. Sapos canibais que se enrolam, dançam e pulam dentro de uma poça de lama. Aparentemente, sem que nós saibamos, o documentarista norte-americano Jason Kohn encontrou "a maior fazenda de criação de sapos do mundo" aqui, no Brasil.

Como se isso fosse um assunto que interessasse a todo o mundo, Kohn entrevista longamente o administrador da fazenda, que nos revela toda uma ciência sobre formas de reprodução, benefícios genéticos e comparações entre raças de anfíbios.

Mas há um escândalo, uma denúncia. A verdadeira piscina de lama e sapos da qual o documentário quer realmente tratar.

Um corte abrupto nos faz viajar de Goiás, onde está localizada a fazenda, para São Paulo. Na maior cidade do Brasil, nós somos apresentados a um empresário que manda blindar os carros da família para se proteger da violência das ruas. Conhecemos rapidamente um promotor de Justiça, uma vítima de seqüestro e um policial durão. Mas até agora não sabemos o que está acontecendo, apesar de todas essas coisas soarem tão extravagantes aos olhos norte-americanos que já deveriam ter valido o documentário.

Mas Jason Kohn provou ser um estreante genial nesse filme. Ele consegue manter a audiência presa à história ao mesmo tempo em que vai criando um retrato sociológico amplo da sociedade brasileira.

Esse quadro vai aos poucos reconstruindo uma teoria do caos em que todas as peças apresentadas cumprem uma função. A fazenda de sapos prova ser a ponta de um sistema de lavagem de dinheiro público. Traficantes da favela contam suas histórias de como passaram do simples tráfico para crimes mais violentos -- como o seqüestro. Escalada de violência que contribui para o pânico generalizado que movimenta um mercado de segurança comandado pelos ricos personagens das cidades grandes.

Como toda essa história, Kohn levou o Grande Prêmio do Júri do Festival Sundance deste ano. E ainda ganhou o prêmio de melhor fotografia no mesmo festival.

Para o público brasileiro, acostumado a ver essas histórias serem contados diariamente nos telejornais, o documentário pode parecer naïve e até preconceituoso com um país pobre. Mas a formatação dada por Kohn cria um mural de correspondências que fascina mesmo a um jornalista e documentarista como eu. O que é mais bacana no filme é o bom-humor eterno da narrativa e da condução das entrevistas.

No final, Manda Bala é tão surpreeendente visual e narrativamente que soa como o que a revista Time Out New York chamou de "renascimento do documentário investigativo".

Quem tiver oportunidade de assistir à Manda Bala preste atenção na forma como Kohn intercala as histórias, como corta da fazenda de sapos para o lobby de um escritório fino em São Paulo. O intérprete usado por Kohn para entrevistar seus personagens sempre aparece em cena. Isso é uma homenagem de Kohn a seu mentor, o documentarista Errol Morris, que usou o mesmo recurso numa entrevista com Mikhail Gorbachev sobre os filmes preferidos dos ex-líder soviético.

"Sou um pintor europeu", diz Peter Greenaway

2007-11-12T08:57:00.000-08:00

Peter Greenaway é um diretor que testa os limites. Os limites da linguagem cinematográfica. Os limites que a audiência pode suportar em termos de violência e fetichismo. E o limite dele como realizador estético de cinema.

"Quantos diretores fazem filmes para satisfazer a suas fantasias sexuais?". Esta é uma das perguntas lançadas pelo personagem Philip Emmenthal, uma espécie de alter-ego de Peter Greenaway, no seu filme 8 1/2 Women (Inglaterra, 1999).

"A maioria dos filmes são sobre o que as pessoas não tem: felicidade e sexo. Nós temos os dois", continua a dizer o narcisista Philip, interpretado por John Standing que no filme encarna um pai que confessa ao filho sua insatisfação sexual. Storey (Matthew Delmare), o filho, sugere assim que o pai transforme seu chateau suiço em um bordel. 8 e 1/2 tipos de mulheres seriam escolhidas para corresponder ao arquétipo ideal da fantasia sexual masculina. A freira, a mulher que monta cavalos, a italiana fogosa, a empregada, as japonesas etc. E a meia-mulher literalmente: a mulher sem pernas.

"O cinema tradicional e ortodoxo de Hollywood lida com a nudez de forma limitada, apenas do ponto vista do corpo de uma mulher jovem entre 16 e 30 anos. O que acontece com o resto das outras pessoas?", Greenaway diz nessa entrevista publicada por indieWIRE.

Pergunta - Seus filmes levantam sempre questões sobre o que é a vida. Especialmente A Zed & Two Noughts (Zôo, Um Z e Dois Zeros, Inglaterra/Holanda, 1985) em que há uma certa obsessão pela decadência. Estes heróis estariam procurando localizar a alma para curar a sociedade e a si mesmos dessa ausência de alma. A localização da alma estaria supostamente em algum lugar do corpo físico. Você também tem se perguntado onde se encontra a alma?

Peter Greenaway - Você está procurando me fazer as perguntas certas da maneira mais correta possível. Na minha trilogia inacabada, todos os filmes tratam de certa forma do mesmo assunto. Prospero’s Books (França, Holanda, Inglaterra, Japão, 1991) é sobre os usos e abusos da sabedoria e The Babt of Mâcon (O Bêbe Santo de Macon, Inglaterra, França, Alemanh, Bélgica, Holanda, 1993) sobre os usos e abusos da religião. O terceiro é um projeto que será basicamente sobre necrofilia e sobre a busca e a localização da alma. Na história européia, a alma viajou da barriga, onde os romanos a localizavam, para o coração, onde os cristãos acreditavam ser a sua localização. Acho que agora ela está localizada mais para cima e simultaneamente em algum lugar fora do corpo. A história deste filme acontece durante a Guerra dos 30 Anos, quando a Europa estava cheia de cadáveres e um anatomista procurava pela alma nos corpos mortos. Ele acreditava que a alma podia estar fisicamente localizada em um órgão como o baço ou em uma parte do cérebro. Estava determinado a achar a sua localização exata. Acreditava que assim poderia erradicar a maldade através de uma operação cirúrgica. Mas as pessoas à sua volta também estavam muito interessadas em achar a alma, então elas o enganavam. Homens e mulheres trapaceavam com ele nessa procura. Não elaborei nada mais além disso. Também estou interessado em necrofilia. Queria fazer um filme que se passasse neste período e sobre os problemas desta guerra. Como a guerra é conduzida por homens mais velhos, e temos um número extraordinário de ótimos atores velhos na Inglaterra, eu gostaria de utilizá-los neste filme. Todo o elenco estaria acima de 65 anos e teria que fazer tudo com próteses, já que seria extremamente difícil abrir inúmeros cadáveres com o tipo de orçamento que temos. Assim, a maior parte do filme seria filmado no escuro. Daí, você pode imaginar o que os financiadores pensaram sobre um filme sobre necrofilia com todos os atores com mais de 65 anos e todo filmado no escuro. Não foi possivel levantar o dinheiro ainda. Mas o filme já está no rascunho e o faremos mais cedo ou mais tarde.

Pergunta - Mudando de assunto, o protagonista de 8 1/2 Women é um homem de 55 anos de idade. Eu estou quase certo que você estava perto dessa idade quando realizou o filme.

Greenaway - Eu tinha 57.

Pergunta - No roteiro, você descreve Philip Emmenthal como um homem muito bonito e atraente que lhe diz mais do que o próprio ator que você escalou para o papel. Então quão autobiográfico é este filme?

Greenaway - Eu sou basicamente um inglês, natural de Londres e criado de forma burguesa. Se eu realmente criei um alter ego, ele será maior do que a vida e maior do que nós mesmos podemos nos ver. As circunstâncias e as aventuras que o meu alter ego estará sujeito vão ser mais fantásticas do que aquelas que eu poderia criar para mim mesmo. Algo assim parecido com a relação Fellini/Mastroianni. Fellini não podia trepar com todas as mulheres que ele desejava, então colocou em Mastroianni essa possibilidade.

Pergunta - Existem algumas cenas em 8 1/2 Women que são um pouco chocantes.

Greenaway - Como por exemplo?

Pergunta - Bem, antes de mais nada, o pai e o filho fazem sexo juntos. Então existe uma fala no roteiro, que eu não sei especificar se está no final do filme, sobre um personagem que ama as vaginas e que gostaria que ele pudesse extirpá-las, dessa maneira ele poderia observá-las todas às vezes que ele quisesse. (Philip, depois de uma de sua mulheres cometer suicidio: “É tão terrivel perder a mais bela vagina que eu já vi na vida. Isto não pode ser verdade. A vagina de Palmira é grande e me acaricia e perfuma como se eu estivesse no céu. Ela me segura como se fosse um polvo. Eu me pergunto se poderia extirpá-la e mantê-la? Num congelador, talvez...”)

Greenaway - Mas isso não foi filmado, não.

“Sou um pintor europeu” - parte 2

2007-11-12T08:40:00.000-08:00

Parte final da entrevista de Peter Greenaway para indieWIRE.

Pergunta - Em um certo sentido essas cenas não deveriam ser chocantes nos anos 2000, mas aqui nos EUA, toda vez que uma atriz faz uma cena de nudez acontece uma entrevista coletiva. A pergunta que sempre se faz é: “Como é atuar pelado?”. Sendo assim, você não acha estranho que mostrar o sexo de forma tão aberta seja considerado pouco convencional ou ofensivo para muita gente?

Greenaway - Eu presumo que você está perguntando isso apenas retoricamente porque já sabe a resposta. Vocês têm um background puritano. O fato de serem protestantes ou mesmo calvinistas tem a ver com todos estes problemas e dificuldades. A melhor forma de responder a isto seria: eu sou europeu. Vemos todas essas questões de uma perspectiva diferente. Fui treinado como pintor. Tenho muita familiaridade com o corpo nu, feminino ou masculino. Tenho uma postura discursiva e estou certo de que o corpo humano está no centro disso. Sua fisicalidade é importante e positiva. Acredito que esta fisicalidade perderia sua perspectiva sobre todos os outros sentidos. Estas são as posições mais polêmicas, tanto quanto a enorme curiosidade sobre situações e políticas que envolvam os gêneros masculino e feminino.
Pergunta - Não sei se você viu o filme “The Idiots” de Lars von Trier, em que os pênis dos atores foram cobertos com retângulos pretos. No seu filme, os pênis são apenas uma coisa normal. Tem uma grande fala na qual o pai diz como o pênis o inspirou a ser um arquiteto. (Philip: “Contemplando o pênis de meu pai, eu ficava interessado na engenharia do pênis. O pênis é uma das máquinas de engenharia mais impressionantes – estrutura sólida, hidráulica, propulsão, pistões, compressão, inflável, sensibilidade ao calor – praticamente tudo que caracterizam as máquinas. Não existem máquinas feitas pelo homem que se equiparem a ele.) Como o pênis lhe inspirou a tornar-se um diretor?

Greenaway - (risos) Novamente uma ironia. Meu filme irritou muita gente porque é uma espécie de avanço da fantasia sexual masculina. Penso que se você vai trabalhar com esta fantasia é melhor escancarar tudo. Organizamos nove estereótipos sexuais masculinos que são bastantes explícitos no seu significado: o desejo de transar com uma freira, o desejo de transar com uma mulher que está sempre montando a cavalo etc. É politicamente incorreto imaginar um cena na qual dois homens, pai e filho, são capazes de criar um bordel particular. Isso está quase fora do limite do que é considerado civilizado. Isto pode ser tanto um sonho sexual de um ou de ambos os sexos.

Pergunta - Todos os homens de seus filmes parecem ser normais ou bem dotados. Alguém poderia pensar que se o diretor tivesse um pênis pequeno, nenhuma nudez masculina seria tão facilmente exibida.

Greenaway - Você acha isto?

Pergunta - Sim. Alguém poderia ter a impressão e intuir, ao observar as sutilezas dos seus filmes, que você deve ser satisfatoriamente bem dotado.

Greenaway - Me sinto muito confortável em discutir assuntos sexuais nessas circunstâncias e contexto. Acho que venho desenvolvendo em meus filmes um paradigma e a confiança vai crescendo a cada filme. O fato de você me fazer esse tipo de pergunta sugere que existe uma legitimidade que possibilita discutir qualquer assunto dessa natureza. Talvez com um outro diretor e em outra circunstância não fosse tão fácil tratar desses assuntos tão abertamente. Acredito também que, em outro nível, e fico muito irritado com isso, o cinema tradicional e ortodoxo de Hollywood lida com a nudez de forma limitada, apenas do ponto vista do corpo de uma mulher jovem entre 16 e 30 anos. O que acontece com o resto das outras pessoas? O que acontece com toda a massa de homens e mulheres, dos tipos masculinos e femininos que não estão representados neste contexto? Nós devemos ir mais além...

Pergunta - Como você reage quando taxam os seus filmes de misóginos? Isso te incomoda?

Greenaway - Existe uma tênue fronteira o tempo todo. Temos que ser bastantes cuidadosos ao fazer um filme. Me lembro em The Cook the Thief His Wife & Her Lover (O Cozinheiro, o Ladrão a Mulher e Seu Amante, França, 1989), o personagem de Helen Mirren termina o filme literalmente e metaforicamente por cima. Ela é uma vitoriosa. Mas foi incrivelmente humilhada para conseguir chegar lá. Será que a humilhação de Helen Mirren é um argumento misógeno ou é uma via natural a ser seguida para se alcançar uma conclusão? Eu tendo, é claro, a concordar veementemente com a segunda alternativa.

Pergunta - Em The Pillow Book (O Livro de Cabeceira,França, Inglaterra, Holanda, Luxemburgo, 1996) você trata a homossexualidade e a bissexualidade de forma natural e esplêndida. Poucos outros diretores seriam capazes de fazer parecer tão natural e como parte do dia a dia das pessoas. Isso seria porque qualquer coisa ligado a sexualidade é algo normal e corriqueiro para você?

Greenaway - Sem dúvida nenhuma. Eu posso te provocar perguntando o que significa a perversidade para você?

Pergunta - Coisas que os seus pais não gostariam que você fizesse.

Greenaway - (risos) Um outro comentário curioso e que sempre me surpreende é sobre os críticos americanos e como eles me vêem como um fetichista. Posso perceber a maneira como usam esta palavra, ela tem um significado profundo e pejorativo na cabeça deles. Por quê devemos acreditar que o fetichismo é pejorativo? Por quê os americanos pensam assim?

Pergunta - Nós somos uma nação muito contida. Nós temos muito medo do sexo.

Greenaway - Por quê isso? Poderíamos falar sobre uma herança puritana, sobre os valores da família etc. Mas isto ainda não responde realmente a estas questões.

Pergunta - Bem, nossos ancestrais vieram para cá supostamente para separar a religião do Estado e eles falharam. E como a religião está sempre envolvida...

Greenaway - Mas isso foi há muito tempo atrás.

Pergunta - Edmund White uma vez disse que os franceses achavam os americanos loucos porque 3/4 da nossa população acredita piamente que conversa com Deus. Nós realmente acreditamos no pecado. Talvez o pecado faça o sexo ser mais prazeiroso para nós, uma vez que acreditamos que seremos punidos por fazer alguma coisa proibida e suja.

Greenaway - Talvez.

Pergunta - Bem, eu gostaria de agradecer.

Greenaway - Foi um prazer.

Sacred Family (Sebastián Lelio, Chile, 2006)

2007-11-09T10:43:00.000-08:00

Fraquezas humanas que superam a racionalidade e a imposição do desejo sexual à própria vontade autônoma. Essas são as forças envolvidas nesse maravilhoso filme de estréia do roteirista, e agora diretor, chileno Sebastián Lelio, também conhecido no Chile como Sebastián Campos.

O filme, feito em poucos dias e usando muita improvisação por parte dos atores, é de uma crueza exacerbada que, em diversos momentos da película, chega a beirar o primitivismo. Com fotografia trêmula e claudicante, o filme parece ter sido dirigido por um fotógrafo autista. Mas Gabriel Díaz, o diretor de fotografia é tudo menos desconectado da realidade, isso se prova quando notamos que o uso da câmera é parte interessante da própria estrutura narrativa que é adotada por Lelio.

A dramática câmera da mão e os close-ups quase enjoativos, contam uma história que se passa entre a Sexta-Feira da Paixão e o Domingo de Páscoa. Marco (Néstor Cantillana) é um estudante de arquitetura oprimido pela tentativa de emular a carreira extremamente bem sucedida do pai. Tentando desanuviar a cabeça no feriado de Páscoa, ele vai até a casa de praia dos pais.

Na escolha do cenário, pedregoso, frio, distante e ermo da costa chilena, o diretor cria um ambiente que traduz as angústias do protagonista como feito por Bruce Beresford em "Tender Mercies" (EUA, 1983).

O filme revela seus elementos dramáticos, quando a namorada de Marco, Sofia (Patricia López), vai se encontrar com ele. A mãe de Marco deixa dos dois sozinhos na casa, não sem antes deixar claro que sua opinião pessoal é contrária ao relacionamento. As mães sempre sabem melhor do que ninguém o que é melhor para seus eternos bebês -- a avaliação autobiográfica de Lelio nas entrelinhas de seu filme.

A chegada de Sofia à casa deflagra não só as emoções da mãe em relação ao filho, mas uma afloração de desejos proibidos os não entre os ocupantes da casa. As críticas do pai de Marco ao seu trabalho e as tentativas do filho agradar ao pai. Uma jovem vizinha que é o objeto intruso à casa que desperta a libido proibido dos homens. Dois amigos de Marco que têm obviamente inclinações não-declaradas homossexuais e se liberam durante uma festa de ecstasy (a pior seqüência do filme).

É nessa relação que todo um cabedal de humor negro e de franqueza absoluta em relação às emoções e à sexualidade se expressão nas vidas dos dois namorados e nas pessoas que os rodeiam durante o feriado. Tudo inclusive a "sagrada família", no final, não é tão sagrada assim.

Um novo Almodóvar e dois mais no forno

2007-11-08T16:55:00.000-08:00

Já tendo anunciado que seu próximo filme será "La piel que habito", o diretor espanhol Pedro Almodóvar está preparando outras duas histórias, que ele pretende filmar na seqüência. Esse processo de trabalho repete o que ele havia feito em "Tudo sobre mi madre" e "Hable con ella".

"La piel que habito" é uma versão do romance "Tarântula", do francês Thierry Jonquet, e será estrelado por Penélope Cruz. No filme, um cirurgião plástico, para vingar o estupro de sua filha, seqüestra o agressor para fazer nele uma operação de mudança de sexo. Antonio Banderas deve ser escalado para fazer o papel de cirurgião vingativo.

Sala escura (9, 10 e 11 de novembro)

2007-11-08T12:03:00.000-08:00

As sugestões de Cinemais para o fim de semana:

O Passado ("El Pasado", Hector Babenco, Argentina/Brasil, 2007)

Primeiro filme do diretor argentino depois de Carandiru, esse quase autobiográfico filme sobre um jovem tradutor (Gael Garcia Bernal) que se vê pressionado pela ex-mulher em um jogo de chantagem em que as memórias do passado em comum dos dois têm um papel fundamental. Como brinde, o filme trás a última atuação de Paulo Autran no cinema. Ler a crítica do Cinemais.

Renaissance (Christian Volckman, França, 2006)

Melhor animação deste ano, esse suspense se passa em uma Paris futurista de 2054 num mundo orwelliano cheio de slogans publicitários e lavagem cerebral.
Lembrando muito Sin City, nesse filme sombrio uma jovem do Leste Europeu se envolve em uma conspiração ao tentar encontrar sua irmã.
Excelente motion picture.

Onde ver:

O Passado

Cinemark Boulevard Tatuapé, 5 - 15h - 19h45

Eldorado, 4 - 15h05 - 17h35 - 20h05 - 22h35

Frei Caneca Unibanco Arteplex, 7 - 14h10 - 16h40 - 19h10 - 21h40
0h - sáb.

HSBC Belas Artes, Villa-Lobos - 14h - 16h20 - 18h40 - 21h

Kinoplex Itaim, 2 - 15h40 - 18h20 - 20h50
23h15 - sex. e sáb.

Multiplex Bristol, 6 - 13h30 - 16h - 18h30 - 21h
23h45 - sex., sáb. e dom.

Reserva Cultual, 2 - 14h10 - 16h30 - 18h50 - 21h10
23h40 - sex. e sáb.

Shopping Center Iguatemi - Cinemark, 5 - 14h10 - 16h30 - 19h - 21h20

Shopping D, 9 - 17h20 - 22h

Shopping Jardim Sul - UCI, 4 - 19h30 - 21h30 - exceto sex, sab e dom
18h - sex. e sáb.
21h30 - dom.

Shopping Market Place - Cinemark, 7 - 15h - 20h

Shopping Morumbi - Cine TAM, Londres - 16h30 - 21h30

Shopping Pátio Higienópolis - Cinemark, 3 - 12h50 - 15h20 - 17h50 - 20h20

Shopping Santa Cruz - Cinemark, 9 - 15h50 - 20h40

Shopping Villa-Lobos - Cinemark, 2 - 15h - 19h50

Renaissance

Espaço Unibanco, 4 - 16h30

Roteiristas em greve nos EUA

2007-11-06T05:07:00.001-08:00

Nos Estados Unidos, a Writers Guild of America (link ao lado), está promovendo a primeira greve de roteiristas de cinema e televisão em 19 anos.

Para um mercado totalmente desarticulado como o brasileiro, isso parece um absurdo. Mas lá, os roteiristas conseguem se erguer mesmo contra os interesses bilionários dos estúdios de Hollywood.

O que os roteiristas pedem terá impacto direto nas decisões da indústria audiovisual para a área de novas mídias. Eles querem é uma participação maior nas vendas de DVDs e nos downloads pagos. Basicamente o que acontece hoje, é que os estúdios pagam aos roteiristas para a produção, mas não incluem os criadores nas parcelas de lucros conseguidas pela venda do material nas novas mídias.

Apesar de parecer estranho que um bando de nerds de óculos e mulheres elegantes e moderninhas possam fazer piquetes na rua e paralisar a indústria de cinema e televisão norte-americana, é exatamente isso que vai acontecer.

A última greve da Writers Guild of America durou cinco meses. Essa promete durar nove ou dez. É o suficiente para prejudicar as transmissões de TV e os lançamentos de cinema. Geralmente, estúdios de TV trabalham com pelo menos 11 ou 12 episódios já gravados. Ou seja, séries de TV semanais podem passar a atrasar em um prazo de três meses.

No caso das séries, grandes sucessos na televisão americana estão comprometidos. É o caso de "Lost", "24", "Three and a Half Men", "Dirty Sexy Money" e "Brothers & Sisters", todos eles com seus roteiristas presentes nas passeatas de ontem.

O Passado (El Pasado, Hector Babenco, 2007)

2007-11-05T09:34:00.000-08:00

A incrível e autodestrutiva habilidade do homem em complicar a sua própria vida e bagunçar a sua felicidade e a profunda capacidade que chega à loucura de uma mulher amar, sem limites e eternamente um namorado são as through-lines desse que é o mais maduro filme do nosso melhor diretor, que, por uma dessas infelicidades da vida, é argentino.

A sutileza do roteiro de Babenco e Marta Goes, adaptando o romance deAlan Pauls, é demonstrada nos diálogos verossímeis e delicados que Rimini (Gael García Bernal) tem com as quatro mulheres com quem se envolve durante o filme.

Todo o homem se verá na pele de Rimini. Um ser que é capaz de abrir mão da sua felicidade imediata quando confrontado com a existência de uma mulher que parece aos seus olhos, naquele momento, um objeto mais adorável de desejo do que a atual.

É seguindo essa lógica biológica que o personagem abdica de seu relacionamento de 12 anos e passa a namorar uma modelo, que é trocada rapidamente por uma tradutora, substituída por um fugaz caso com uma mulher mais velha e rica.

O passado sempre volta a bater à porta de Rimini na imagem muito bem escolhida da caixa de fotos do primeiro relacionamento. Fotos essas que nunca foram catalogadas por Rimini, e que a sua primeira mulher, Sofia (Analia Couceyro), passa anos cobrando para que escolha com quais quer ele ficar.

Esse espaço de tempo depois de cada relacionamento, que podemos chamar de um luto de separação, nunca é respeitado por Rimini. Ele não fecha realmente as suas relações com as mulheres, e em especial com Sofia. E essa falta de conclusão, essa falta de um ponto final definitivo nesse namoro de 12 anos é o gatilho para o sofrimento dos anos seguintes.

Sofia não deixou de amar Rimini. Rimini seguiu com sua vida.

Babenco nos ensina quando devemos ser mais sinceros com nós mesmos e nos dá uma aula de como tratar um final de relacionamento. Além de uma aula de cinema a ser muito bem estudada.

Sala escura (2, 3 e 4 de novembro)

2007-11-01T06:12:00.000-07:00

Sugestões de Cinemais para quem ficar em São Paulo no feriado.

O Passado ("El Pasado", Hector Babenco, Argentina/Brasil, 2007)

Primeiro filme do diretor argentino depois de Carandiru, esse quase autobriográfico filme sobre um jovem tradutor (Gael Garcia Bernal) que se vê pressionado pela ex-mulher em um jogo de chantagem em que as memórias do passado em comum dos dois têm um papel fundamental. Como brinde, o filme trás a última atuação de Paulo Autran no cinema.

Renaissance (Christian Volckman, França, 2006)

Melhor animação deste ano, esse suspense se passa em uma Paris futurista de 2054 num mundo orwelliano cheio de slogans publicitários e lavagem cerebral.
Lembrando muito Sin City, nesse filme sombrio uma jovem do Leste Europeu se envolve em uma conspiração ao tentar encontrar sua irmã.
Excelente motion picture.

Invasores ("The Invasion", Oliver Hirschbiegel, EUA, 2007)

Uma ficção-científica clássica, os Invasores conta a história de um acidente com um ônibus espacial que trás para a Terra uma bactéria alienígena. Filme catástrofe para a humanidade se o filho da psiquiatra (Nicole Kidman) que está tratando os casos não se provasse imune ao mal. De alguma forma, uma gripe aviária que atacou o menino anos atrás tornou o organismo dele resistente à bactéria espacial. Criativo.

Onde ver:

O Passado

Cinemark Boulevard Tatuapé, 5 - 14h30 - 17h05 - 19h35 - 22h05
12h - sáb. e dom.
0h35 - sex. e sáb.

Eldorado, 5 - 13h - 15h45 - 18h30 - 21h10
23h40 - sex. e sáb.

Frei Caneca Unibanco Arteplex, 07 - 14h10 - 16h40 - 19h10 - 21h40
0h - sáb.

HSBC Belas Artes, Villa-Lobos - 14h - 16h20 - 18h40
21h

Kinoplex Itaim, 05 - 15h40 - 18h20 - 20h50
23h15 – sex. e sáb.

Multiplex Bristol, 06 - 13h30 - 16h - 18h30 - 21h
23h45 – sex. e sáb.

Reserva Cultural de Cinema, 2 - 14h10 - 16h30 - 18h50 - 21h10

Shopping Center Iguatemi - Cinemark, 05 - 14h - 16h30 - 19h10 - 21h40
11h30 - sáb. e dom.
0h15 – sex. e sáb.

Shopping D, 06 - 13h35 - 16h10 - 18h50 - 21h20
11h10 – sáb. e dom.
23h50 - sex. e sáb.

Shopping Jardim Sul - UCI, 05 - 13h35 - 16h - 18h25 - 20h50
23h15 - sex. e sáb.

Shopping Market Place - Cinemark, 04 - 14h15 - 16h45 - 19h30 - 22h
11h45 - sáb. e dom.
0h30 – sex. e sáb.

Shopping Pátio Higienópolis - Cinemark, 01 - 14h10 - 16h50 - 19h20 - 21h55
11h35 - sáb. e dom.
0h25 – sex. e sáb.

Shopping Santa Cruz - Cinemark, 06 - 13h50 - 16h20 - 18h50 - 21h30
11h20 - sáb. e dom.
0h05 – sex. e sáb.

Shopping Villa-Lobos - Cinemark, 03 - 12h15 - 14h45 - 17h15 - 19h55 - 22h25

Renaisssance

Espaço Unibanco, 01 - 14h - 16h - 18h - 20h - 22h
0h - sáb.

Invasores

Centerplex Lapa, 03 - 19h15 - 21h10

Eldorado, 6 - 17h20 - 19h40 - 22h
0h15 – sex. e sáb.

Frei Caneca Unibanco Arteplex, 08 - 14h - 16h - 18h - 20h - 22h
0h - sáb.

Kinoplex Itaim, 01 - 16h30 - 21h
23h10 - sex. e sáb.

Moviecom BoaVista, 03 - 21h10

Multiplex Bristol, 05 - 13h05 - 15h10 - 17h15 - 19h20 - 21h25
23h30 - sex. e sáb.

Shopping Anália Franco - UCI, 03 - 14h50 - 17h - 19h10 - 21h20
12h40 - sáb. e dom.
23h30 – sex. e sáb.

Shopping Center Norte - Cinemark, 04 - 18h10 - 20h20 - 22h30
0h40 - sex. e sáb.

Shopping Center Penha - Moviecom, 03 - 19h40 - 21h45
17h30 - sáb. e dom.

Shopping Central Plaza - Cinemark, 05 - 17h15 - 19h30 - 21h45
0h - sex. e sáb.

Shopping D, 01 - 19h35 - 22h10
0h30 – sex. e sáb.

Shopping Interlagos - Cinermark, 05 - 17h25 - 19h40 - 21h55

Shopping Jardim Sul - UCI, 06 - 15h - 17h10 - 19h20 - 21h30
12h30 - sáb. e dom.
23h40 – sex. e sáb.

Shopping Leste Aricanduva - Cinemark, 05 - 19h30 - 21h40
23h50 - sáb.

Shopping Market Place - Cinemark, 05 - 17h - 19h20 - 21h35
23h50 – sex. e sáb.

Shopping Metrô Tatuapé - Cinemark, 06 - 20h20 - 22h30

Shopping SP Market - Cinemark, 01 - 20h20 - 22h35

Shopping Santa Cruz - Cinemark, 02 - 17h40 - 20h - 22h15
0h30 - sex. e sáb.

Shopping Villa-Lobos - Cinemark, 07 - 17h20 - 19h30 - 21h50
0h - sex. e sáb.

Tropa de Elite não pára em pé

2007-10-30T06:40:00.001-07:00

Dá calafrios quando leio por toda a imprensa (e repetido por gente inteligente também) que o filme de José Padilha é ótimo e um dos melhores já feitos no Brasil.

Calafrios porque sob qualquer ponto de vista que se tome esse adágio da filosofia brucutu, do pega e arrebenta, ele não se mantém em pé.

Além de ser fascista e maniqueísta em seu discurso, o filme é uma obra de arte capenga e com incongruências absurdas.

Vamos aos meus pontos de vista sobre a obra.

Para começar, Padilha não reconhece a diferença entre documentário e ficção. Um documentário serve para traçar um retrato de uma realidade qualquer. Nunca se pretende esgotar um assunto em um filme de duas horas, mas, tal como em uma boa reportagem, deve-se tentar atacar a pauta por todos os lados possíveis. “Tropa de Elite” é simplista apresentando apenas um discurso fechado e único. Todos os personagens e o narrador concordam que a solução para a violência no Rio é quebrar a coluna do tráfico na porrada, que o consumo de drogas é a causa da violência, que repressão é a única solução.

Como documentário, o filme ignora que a causa da violência do Rio é um fenômeno complexo que resulta de um calderão de fatores entre eles as drogas, a pobreza, o desemprego, a proximidade entre ricos e pobres. Algum sábio, como Padilha, pode dizer que se se acabar com o tráfico de drogas a violência sumirá. Ao que uma pessoa bem menos culta a respeito dos meandros sociológicos do Rio vai perguntar: mas então os seqüestros não vão aumentar? Os roubos a condomínios não vão substituir a indústria das drogas? Os assaltos a bancos não podem parecer uma opção interessante?

Mas o filme não é um documentário. Padilha se arrola o papel de arauto de um problema que ele não aborda. O morro do Rio é apenas um pretexto para contar uma história de ficção, mesmo que ela seja enriquecida por cenas baseadas em relatos reais.

E como obra de ficção, o filme, infelizmente, tinha todos os elementos para ser grande, realmente um dos maiores já feitos no Brasil, mas escorregou em uma série de inépcias dos seus criadores.

Ele é realmente bem filmado, uma câmera nervosa competente. Mas isso não é novidade. Wagner Moura realmente está muito bem. Mas o seu personagem é nulo em profundidade.

Falando em personagens: quem é o personagem principal do filme? Para a maioria das pessoas que me responderam essa pergunta, é o Capitão Nascimento. Segundo o próprio José Padilha, o personagem principal é Matias. Eu concordo com ele, Matias deve ser o protagonista. Mas isso fica mascarado pelo fato do Capitão Nascimento ser o narrador da história, dando o tempo todo a sua versão distorcida dos fatos.

Uma coisa que se pede de filmes de ficção é que os personagens evoluam, que comecem em um ponto A e terminem num ponto B. Capitão Nascimento começa o filme como um brutamontes assassino que tortura e manda matar. E acaba como um brutamentes assassino que tortura e manda matar.

E o pior é a avaliação feita pelo narrador dos atos de Matias. Quando ele entrou na faculdade, “estava cometendo uma puta cagada”. Quando começou a namorar a guria rica, também. Quando foi para a ONG, então, se condenou. E cometeu o maior absurdo quando foi para uma entrevista de emprego em um escritório de advocacia.

Ele só fez uma coisa certa quando fuzilou com uma 12 a cara de um traficante indefeso.

Ele é um personagem que evolui. Mas evolui para o mal e não é punido por isso. Tudo bem evoluir para o mal. Scarface fez isso. Taxi Driver, também. Mas como foi que eles terminam? Matias vira herói.

E todos os elementos estavam lá. Um conflito interessante: Nascimento ia ser pai e precisava fazer um sucessor antes de se aposentar. Dois jovens promissores. Um deles é morto pelo tráfico. O outro é um personagem complexo e dual com um pé dentro do Bope e outro na faculdade. Matias poderia fazer uma crítica interessante das operações criminosas do Bope dentro das favelas, vistas do ponto de vista de um estudante de Direito (que deve zelar pela legalidade); e, abordaria a visão de dentro da academia com a vivência das operações do morro.

Mas o contraponto acaba sendo uma aulinha ridícula de faculdade em que ninguém fala nada e palavras são postas na boca de Foucault.

Mais um filme ruim brasileiro. Esse com a desculpa de se colocar na conta do papa.

Inspirações de Gus Van Sant

2007-10-30T06:37:00.000-07:00

Gus Van Sant é um diretor capaz de extremos. Autor, com aura de independente, de Elephant (2003) e de Paranoid Park (2007, exibido na Mostra de Cinema de São Paulo). Ele também filmou grandes sucessos hollywoodianos como Good Will Hunting (1997) e Finding Forrester (2000). Nessa entrevista para a revista Slant, ele fala de inspiração no seu trabalho.

Slant: Você ainda está trabalhando na adaptação de Sarah, de J.T. Leroy?

Gus Van Sant: Não, não estou mais. Eu acho que o o cara que fez Secretary [Steven Shainberg] comprou os direitos. Quando me foram oferecidos os direitos, eu não tinha condições de arranjar o dinheiro que eu precisava. Eu queria juntar uns US$ 6 milhões, o que pode parecer muito para algumas pessoas e pouco para outras. De qualquer forma, eu nunca consegui juntar o dinheiro.

Slant: Qual é a sua experiência pessoal de fazer filmes?

Gus Van Sant: Eu acho que isso depende muito do projeto. Especificamente em Good Will Hunting (1997) [Uma Mente Brilhante] e Finding Forrester (2000) [Encontrando Forrester], eu fiz algo que nunca faria normalmente. Mas eu fiz para ver como seria fazê-los – apenas uma questão de curiosidade. Eles parecem “fáceis” filmes de Hollywood, mas os dois possuem algo de árido neles. Há uma certa honestidade, moralidade e verdade a respeito dos personagens. Mas eu ainda hoje não sei se consegui colocar isso de uma forma clara, pois sempre fiz filmes sobre anti-heróis.

Slant: Falando de anti-heróis, há um tema recorrente em todos os seus filmes: esses anti-heróis em perseguição obsessiva por objetos de afeição que estão sempre ligeiramente fora de alcance. Em Gerry (2002), os personagens estão procurando por algo, mas a gente nunca fica sabendo o que é.

Gus Van Sant: Eu sempre achei a “coisa” seria tipo um desenho rupestre em uma caverna, mas algumas pessoas pensam na “coisa” como algo existencial ou metafórico, assim a “coisa” passaria a significar muitas outras coisas diferentes. Mas os personagens estão em um ambiente selvagem e árido, então eu sempre presumi que eles estavam indo atrás de uma formação rochosa ou de uma caverna com desenhos antigos.

Slant: Bom, você está aberto para as leituras existenciais e metafóricas?

Gus Van Sant: Sim, pois a razão de eu a chamá-la de “coisa” é para deixar essa interpretação em aberto. Amarrar a interpretação no que eu acharia, teria tirado muito das possibilidades de leitura do filme.

Slant: Béla Tarr. Como você descobriu o trabalho dele?

Gus Van Sant: Eu nunca havia visto nenhum dos filmes dele, mas eu li uma crítica na Variety. Eles realmente tinham adorado o filme e ele era chamado de “um dos verdadeiros visionários trabalhando atualmente com cinema”. Era tudo que eu precisava ouvir. Scott Macaulay, que trabalha na Forensic Films, estava na minha casa e me disse que Sátántangó (1994) estava sendo exibido no BAM aquela semana. Era exatamente o que eu precisava ver naquele exato momento da minha vida. O filme também conjurou uma porção de coisas sobre as quais eu estava pensando já havia algum tempo e que me inspiravam, mas que eu nunca havia pensado em usar. E o filme usava à perfeição diversos desses elementos: o timing da história, principalmente. Quanto tempo pode-se levar para descrever algumas ações, que podem ser simples, mas que, por mais que se veja, mais elas ganham importância na história. Foi muito inspirador.

Slant: O que você acha de pessoas que saem da sala de cinema no meio do filme?

Gus Van Sant: Eu nunca vi isso acontecer, na verdade. Eu já vi gente deixando o cinema em projeções realmente muito longas. Acho que isso pode acontecer com qualquer filme longo, como Good Will Hunting [que tem 126 min.]. Em Sundance, o pessoal está assistindo a filmes com o intuito de comprá-los para distribuição. Às vezes, isso é só trabalho. Eles assistem, não gostam do início e passam adiante. Eles não estão olhando o filme como audiência, mas como compradores. Se eles estão procurando por uma coisa específica num filme, e não encontram, eles ficam furiosos.

Slant: Como é trabalhar com atores amadores?

Gus Van Sant: Bom, quando eu fiz Elephant (2003), sobre violência escolar em Portland, Oregon, eu escolhi trabalhar com atores não-profissionais. Há uma cena emblemática. Os personagens estão revelando filmes em bacias de plástico e uma garota pergunta para o cara onde as fotos foram tiradas. E, então, o personagem começa a falar com essa garota, que também tinha algumas fotos para serem reveladas. Eles estão realmente flertando um com o outro. Então, eu pedi para fazermos a cena de novo sem que eles falassem ou fossem tão charmosos propositadamente. No final, eu usei a primeira cena. Geralmente eu tenho melhores resultados com material que eu realmente dirijo. É como aquela máxima japonesa: “primeira idéia, melhor idéia”.

Colaboração direto do Castelo

2007-10-29T17:33:00.000-07:00

Desde já, Cinemais conta com a colaboração de Susana Romana.

Portuguesa de Lisboa, Susana estudou roteiro de cinema comigo em Nova York. É uma das maiores conhecedoras de cultura pop com quem já conversei.

Espero que a participação dessa lisboeta enriqueça os papos sobre cinema deste blog.

grande beijo, Susana.

Ótimas surpresas; péssima constatação

2007-10-29T14:55:00.001-07:00

Zodíaco, de David Fincher, que estréia nesta semana, e o italiano Vermelho como o Céu, de Cristiano Bortone, são filmes imperdíveis que já considero fortes candidatos para melhores do ano. O arrasa-quarteirão holliwoodiano e o modesto, e quase tímido, europeu guardam duas semelhanças que fazem deles bons filmes: roteiros competentíssimos e histórias que são todas de verdade. O terceiro filme da semana é o brasileiro Baixio das Bestas, que reforça a convicção íntima de que algo não funciona apropriadamente bem no cinema brasileiro quando a única coisa que motiva um diretor são nus frontais e prostituição de baixo nível.

Fincher, que tem os ótimos Se7en e Clube da Luta no currículo, conseguiu fazer novamente algo raro em Los Angeles: um filme policial de investigação inteligente e sem tiroteio e sangue espirrando na tela. Menos aqui é mais.

O filme é inspirado no caso de um assassino em série que agiu, sem nunca ser desmascarado, durante o final da década de 1960 e início da de 1970 em São Francisco. Ele se auto-nomeava Zodíaco e mandava bilhetes com códigos a serem decifrados para jornais e para a polícia.

Um jornalista, na verdade um cartunista de um dos jornais, fica obcecado com os códigos e destrói a sua vida pessoal tentando decifrá-los. (Na vida real, ele perdeu a mulher, mas ficou milionário escrevendo best-sellers sobre o caso. Não consegui descobrir nada sobre a ex-mulher, mas talvez tenha valido a pena!)

O achado do filme foi não se render à violência dos crimes de Zodíaco. Coisa que poderia acontecer facilmente nas mãos de Fincher, dado o seu histórico um pouco, digamos, propenso para a agressividade. Mas o roteiro de James Vanderbilt prende a atenção do espectador na trama do código e na obcessão do cartunista, vivido por Jake Gyllanhaal.

Vermelho como o Céu passou quase despercebido pelo circuito nacional. É a história de um menino, Mirco Mencacci, que aos dez anos fica cego depois de um acidente com uma espingarda do pai. De acordo com as leis italianas do início da década de 1970, cegos eram considerados deficientes e deviam ser mandados para internatos onde aprendiam a empalhar cadeiras e tecer tapetes. Como sabemos desde o início, o garoto se tornará um dos mais respeitados editores de som do cinema e da TV italianos.

A grandeza do filme está em conseguir driblar a pieguice que a história do “jovem-cego-que-supera-barreiras-e-vence-na-vida” facilmente oferece para o cineasta. O roteiro é sensivelmente construído para dar ao espectador uma experiência idílica de sons, que chega a ser, em muitos momentos, mesmo poética.

O filme lança ainda uma crítica inteligente à Igreja Católica. O internato de Mirco é mantido pela Igreja e as aulas são dadas por freiras e padres que simplesmente põem para tocar fitas K-7 (chamadas de áudio-livros). Mirco, encontra um gravador velho e passa a gravar sobre os áudio-livros; fazendo montagens de sons e narrações que formam histórias fantásticas de castelos, princesas e dragões.

Um toque maravilhoso da produção é o fato de todas as crianças do filme serem realmente cegas. Com destaque para o jovem Luca Capriotti, que faz o protagonista. Um filme bonito e tocante sem ser chorão.

Ninguém ia ver esse filme mesmo, mas, pelo menos, agora vocês têm alguns motivos para desdenhar Baixio das Bestas, de Cláudio Assis. É daqueles filmes que nos forçam, por mais que a gente lute contra essa tentação, a menosprezar o cinema nacional. Afinal de contas, por que cinema brasileiro tem que ter prostituta, palavrão, cafetão, putaria? E por que cinema brasileiro é o único do mundo que pode se furtar a ter enredo?

O roteiro dessa pornochanchada perdida no tempo é de Hilton Lacerda que já havia feito dobradinha com Assis, no mais que defectível Amarelo Manga. Aliás agora os dois já me devem três horas de vida que disperdicei assistindo a esses dois filmes.

Eu não consigo entender por que os cineastas nacionais insistem em fazer filmes sobre realidades que não conhecem. Filhos das classes altas, educadas, das grandes cidades, eles têm uma síndrome de culpa despropositada que os obriga a se lançar em empreitadas quixotescas como retratar o nordeste famélico e degredado com os instrumentos de crítica social que eles apreendem nos centros urbanos (leia-se nas aulas de Sociologia da USP). Resultado: uma cidade prostíbulo no sertão. Um filme cheio de nus frontais e bebedeiras, palavrões e violência. O espectador que se vire para extrair um sentido disso tudo.